Abarcando Espacios

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Imágenes sueltas , sacadas de su contexto para ser reinterpretadas , es lo que nos presentó Juan Diego Vergara en la Galería Pancho Fierro de la Municipalidad de Lima


Por: Eibby Rosillo, investigadora egresada de la Escuela de Arte de San Marcos.



Juan Diego nos recibe una mañana al final del verano. Inicia la conversa con ArteCorpus puntualizando que en estos momentos está becado por la fundación Renné Navarrete, quiénes están promocionado su trabajo.Las obras de este joven artista plástico han cambiado desde sus inicios. Según nos comenta, las primeras tenían mucho del expresionismo abstracto, jugaba con la pintura superponiendo capas; ahora es mas técnica, más dibujo que pintura; el carbón domina sobre la tela de manera figurativa.


Investigar sobre el uso de diversos elementos y el empleo de objetos de deshecho lo han llevado a usar telas, lisas, estampadas y retazos "me hace sentir cómodo el uso de esos materiales, por ejemplo los retazos sustituyen los brochazos de óleo". La razón de estos cambios es la búsqueda de que el mensaje sea más claro " tenía la necesidad de ver ojos y caras" ; " antes la catarsis era botar todo al lienzo"." El impulso de tener la tela al frente y que quede plasmada una imagen es mi necesidad hoy "." El Cielo y el Suelo""Me llama mucho lo visual y trabajo con imágenes sueltas", carátulas de CD 's , imágenes de Santos , gráficas de Hare Krishna, todo vale para conformara nuevos contextos y crear espacios. La forma dual aparece en la relación de lo religioso, intangible, no real, que va de lado del cielo frente al otro que es la vida común; el colegio, el tráfico, la avenida "Pintar en el centro de Lima es toda una carga", es el suelo .


Lo que no nos extraña ya que la visión de lo dual siempre ha estado presente en nuestra idiosincracia.El resultado; la muestra tiene su peso testimonial, ha logrado rebasar los cuadros , abarcar los espacios , jugar con la sala.Arte en videoJuan Diego opina "Muy buenas cosas , me encanta que la gente experimente , investigue , me gusta que haya algo de artesanía en el video, que no tenga mucha computadora , que se sienta que esta hecho por un artista; uso el video en el arte , pero no soy videoartista" De hecho lo que nos transmite Vergara es una realidad indiscutible , en el arte siempre va a predominar la plástica y lo manual sobre la tecnología que vendrá a ser sólo uno de los medios para la creatividad.


TEOLOGIA INDECENTE

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La experiencia Humana de lo sagrado





La sala de exposición de la Biblioteca Central Pedro Zulen de San Marcos, presenta la exposición “Teología Indecente, la experiencia Humana de lo sagrado”.
El artista Fredy Caballero presenta una visión de una religión personal que cuestiona el poder del lenguaje plástico que ejerce sobre el comportamiento humano.




Retratos del subconsciente

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Patricia Eyzaguirre



El uso del collage artesanal como base para la representación de personajes oníricos surrealistas, constantes en el imaginario, es el sello de la artista peruana Patricia Eyzaguirre , pintora egresada de la Universidad católica y ganadora de diversos concursos: XII Concurso Nacional de Artistas Jóvenes Southern Perú Cooper Corporation - ICPNA (1997). Cuarto Concurso de Pintura Johnnie Walker (1998) y “Pasaporte para un Artista” organizado por la Embajada de Francia (1998).
A pesar de Las recientes tendencias de los artistas jóvenes hacia el hiperrealismo metafórico o casi fotográfico, con técnicas sofisticadas, cuyas imágenes se presentan como retratos o registros visuales de su personalidad y vida cotidiana; vinculada a su vez con el arte popular actual; la obra de Eyzaguirre hace reflexionar sobre su discurso figurativo y trabajo artesanal.


La artista retorna a las representaciones visuales de su subconciente, imágenes que guarda y que se presentan sin ninguna represión en sus sueños llevándonos hacia un registro verdadero, más personal y más claro.
El individualismo, le feminidad, lo andrógino, el erotismo y la introspección se reflejan en sus personajes (como alter ego) que evolucionan en cada cuadro.
La corriente surrealista siempre ha sido uno de los medios más efectivos para explorar la esencia y los sentidos. De este modo nuestro yo se plasma en diversos niveles. Salir de los métodos lógicos para acercarse a la realidad y a la imaginación en donde no haya límites para los sentidos.

El artista Francés Clemente planteaba que: «Primero se establece el 'Yo'. Después lo abandonas por el 'Nonato'. A continuación, atraviesas un campo de transformación en 'Bestiario'. Seguidamente, tomas posesión de tus poderes”.

He usado diferentes soportes y temáticas, al comienzo realizaba un trabajo mas urbano y oscuro. La paleta la fui variando hasta cierta luminosidad, en cuanto al tema me ha ido interesando lo corporal en un sentido amplio, siempre he intentado mantener algún hilo conductor buscando una coherencia en la lectura. Tengo diferentes intereses, desde el papel recortado, objetos en pequeña escala y la pintura, busco replantearme constantemente” nos dice patricia.


Elementos naturales, ornamentos y símbolos nos remiten hacia la Esquematización y la función mágica primitivista.
Sin embargo, en mi opinión, las veladuras y sombras difusas hubiesen afianzado la idea de irrealidad (recordando a Tilsa).
Lo que rescato de la obra de Patricia no es sólo la perfección al retratase superficialmente como tal, sin no, llegar a reflejar su carácter, su yo interno con todo y su complejidad.


Kore : ¿Provocación?

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Kore (doncella en griego) es el apelativo que ha adoptado esta destacable historiadora del arte española Teresa Moreno, quién a través su espacio web analizarte.com acerca la historia del arte y las artes contemporáneas mediante diversos análisis y comentarios polémicos -“claros sin tecnicismos” como ella señala - a las nuevas generaciones de artistas y apasionados del arte.
En esta edición ArteCorpus buscando el intercambio cultural a través de este nuevo espacio presenta uno de sus más controversiales temas.


¿Provocación?
Según la Rae, "provocación" es el efecto de provocar, que se define así: "Hacer que una cosa produzca otra como reacción o respuesta a ella"
Hace unos días, en el blog de Avartist pudimos ver una obra que claramente buscaba eso: un efecto en el espectador. Se trata de la fotografía de un ano, que podéis ver a vuestra izquierda.
¿Es necesaria la provocación en el arte actual? ¿Se acabaron las ideas y se pasa al éxito fácil? La provocación no es nada nuevo en el arte, Velázquez retrataba a los enanos de la Corte quizá para buscar una reacción por parte del espectador; Goya hizo sus Caprichos con este fin.

Probablemente desde que el movimiento dadaísta surgió en el siglo pasado este sentimiento es manifiesto en todo el arte. Se busca una reacción por parte del espectador, ya sea positiva o negativa.Duchamp propuso un objeto fuera de contexto y se lo devolvieron como si fuera una escultura. También pasaba con los surrealistas, que buscaban en lo onírico una respuesta por parte del público para que dejara sus pensamientos inconscientes a flor de piel para entenderlo.
De eso se pasó a una provocación mucho más "inteligente", el arte povera. Entendía que el desperdicio humano se podía convertir en objeto de exposición, como una crítica al capitalismo. Y de ahí a la "Mierda de artista" hay un paso…

En estos últimos años, la provocación a mi entender ha surgido en tres vertientes:
- Religiosa. Es algo habitual en los artistas del siglo XXI incluir a la Iglesia como institución y al cristianismo como ideología en su temática habitual. Esto hace que se de un gran debate tanto ético como moral en el espectador, que mira a veces consternado y otras veces cómplice de esta crítica/manifestación.
- Sexual. El sexo es algo implícito en el ser humano, pero en muchas ocasiones y sobre todo en muchos lugares es un tema tabú. Algo que los artistas potencian para hacer que su trabajo sea conocido, trascender y "hacer" hablar. Además, por supuesto, de criticar este mismo tabú y hacer pensar en ello.
- Moral. En los últimos años una temática muy avanzada en el mundo del arte, busca meter el dedo en la llaga del espectador con debates morales acerca de la muerte, de la vida, de la sangre,…Se expresan por medio de imágenes inquietantes, con imágenes políticamente incorrectas. Hacer daño, ya sea para producir un debate o para, simplemente, darse a conocer.
Estos tres elementos no suelen ir aislados. Si bien la provocación religiosa tiene mucho efecto, mezclarlo con la sexual o moral tiene éxito asegurado.

Y hablamos de éxito porque la mayoría de los artistas lo que pretenden es que su obra traspase fronteras. Está el concepto de artista élite, el dios entre los artistas que quiere convertirse para los anales de la historia en un personaje de enciclopedia. Independientemente de la calidad, técnica o historial que tengan. Lo importante es destacar.

Esto se puede extrapolar a la sociedad actual, tampoco es para echarse las manos a la cabeza con nuestro arte. Toda la historia del arte tiene un componente de influencia social muy fuerte. A sociedad destrozada, arte destrozado para entendernos. Por eso, en nuestro país prolífico a Tomates y personajillos raros, que lo único que pretenden es sacar dinero y vivir como reyes, tampoco es extraño encontrarnos con arte degradante del gusto o de la lógica.

La provocación ha sido a lo largo de la historia del arte un paso más en busca de una nueva percepción, un acercamiento al espectador. Pero… ¿por qué? ¿Es necesaria la provocación fácil?
Volviendo a extrapolar el tema, si en este blog en vez de arte estuviera hablando de la Iglesia, mezclándolo con el sexo y tocando temas que hieren la moral, tendría muchísima más audiencia. Como decía Buñuel, "gracias a Dios soy atea", así que tranquilos, no voy a hacer eso…
Simplemente deciros ¿habría que marcar los límites de la provocación? ¿Cuáles serían? ¿Creéis que la provocación fácil ayuda al espectador o lo convierte en una víctima más de la incomprensión del arte?
Quien es provocativo, ¿el que provoca o el que no provoca? Es decir, si se busca provocación y se va a lo fácil, deja de provocar y pasa a ser predecible…así que… ¿a quién quieren provocar?


Pancho fierro y el costumbrismo en Lima

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Destacable: Turismo Educativo para el arte

Pancho Fierro nació el año de 1807 en el tradicional distrito del Rímac y murió en julio de 1879, poco después que estallara la guerra del Pacífico, en el hospital Dos de Mayo. Fue pintor autodidacta que vivió los últimos años del virreinato, la lucha por la independencia, el nacimiento del nuevo estado y los nuevos patrones sociales.. Realizó con gran maestría y originalidad la más importante serie de acuarelas sobre las costumbres de Lima, la cual se estima en más de 1200 escenas de la vida limeña.
En sus trabajos recoge temas y personajes entre las que sobresalen las tapadas, el transporte, fiestas y bailes, comerciantes, frailes entre otros.

Los Pregones de Lima: La Lima del XIX era ciudad donde la presencia de los vendedores marcaba un ritmo particular. Los denominados pregoneros, perennizados en la plástica por algunos artistas como Mauricio Rugendas, Leonce Angrand y Pancho Fierro, y en la literatura, por Ricardo Palma. Estos personajes salían a horas determinadas a las calles y a la voz de conocidas coplas ofrecían sus productos. La compositora peruana Rosa Mercedes Ayarza de Morales rescató letra y melodía de muchas de ellas plasmándolas en su ciclo "Antiguos pregones de Lima" que en ésta oportunidad serán interpretados por reconocidos cantantes de la actual escena lírica de nuestra capital
En el marco de la conmemoración del Bicentenario del nacimiento del pintor Pancho Fierro, la Oficina de Información y Turismo del Centro Cultural de la Universidad de San Marcos y la Asociación Cultural K’ASAPI con el auspicio del Banco de Crédito del Perú, Centro Cultural de España, Municipalidad de Surco, Municipalidad de Jesús María, Municipalidad de Magdalena y Centro Cultural de la Universidad Nacional de Ingeniería, presentaron la exposición itinerante de las reproducciones de las acuarelas del artista perteneciente a la colección del Banco de Crédito del Perú con el nombre “ Pancho Fierro y el costumbrismo “ innovador proyecto que une las actividades turísticas con la enseñanza de la historia del arte peruanos.



El proyecto forma parte de las actividades que realizan ambas instituciones para difundir y descentralizar actividades culturales mediante el desarrollo de programas que conjugan turismo, historia y arte, promoviendo al mismo tiempo la participación masiva del público.
Con visitas guiadas a los lugares más importantes del Centro Histórico de Lima relacionados con el artista y el tema del costumbrismo incluyendo la asistencia a la exposición y al espectáculo teatral “Los Pregones de Lima” interpretados por reconocidos cantantes de la actual escena lírica de nuestra capital.


Informes y CoordinacionesOficina de Información y Turismo Centro Cultural de San Marcos. Telf. 6197000 anexo 5206 / 97079601Email: turismo.ccsm@unmsm.edu.pe / kasapi_ac@yahoo.es




Museo del Barrio de Nueva York

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La búsqueda de identidad de la comunidad latina en los Estados Unidos propició la creación de una institución cultural y educativa que reivindicaba las raíces latinoamericanas.




Fué fundada en 1969 por el artista y educador Raphael Montañez Ortiz en respuesta al interés de los padres, educadores, artistas y activistas de Puerto Rico en Harlem del este, movidos por la idea de que las instituciones importantes del arte descentralicen sus colecciones artísticas y muestren la variedad de culturas de Latinoamérica.

Iniciada en el aula de una escuela pública, en 1977 se traslada a su actual sede un edificio neoclásico de Heckscher en la Quinta avenida 1230 de Nueva York la cuál abarca 31 instituciones, cuyo movimiento permite al Museo no sólo estar en contacto directo con la población de habla hispana , si no ser una sede clave en un circuito artístico cultural que integra el Museo Metropolitano del Arte , El Museo Guggenheim, El Museo Judío y el Museo de la cuidad de Nueva York.

Sus exposiciones y actividades buscan integrar las expresiones artísticas de Puerto Rico, de los países latinoamericanos y caribeños como un redescubrimiento y orgullo de una de las comunidades más amplias asentadas en la actualidad en norteamérica.
El museo preserva una extensa colección de obras, pre-colombinas , artes tradicionales, las impresiones del vigésimo-siglo, los dibujos, las pinturas, las esculturas , instalaciones, fotografía, así como películas documentales y vídeos las cuáles exhibe e interpreta para el público bilingüe en general adultos , niños , estudiantes y para los conocedores, presentándoles espacios especializados y preparándolos para la labor museográfica y curatorial hacia una nueva generación de profesionales.

Apoyada por diversas fundaciones e instituciones privadas como El Instituto de Lenguas Cervantes en la actualidad, El Museo del barrio presenta la quinta edición de la Bienal del Museo “Los Archivos 007”, curada por los guardiánes adjuntos del Museo Elvis Fuentes y Carmen Ramos donde se puede apreciar obras experimentales de artistas emergentes de diversos barrios locales, siendo Ecuador el país invitado para esta ocasión.
Los trabajos seleccionados de México, Venezuela, Cuba, Colombia, Perú y Argentina van desde lo tradicional hasta los proyectos que integran la luz, sonido, elementos interactivos, esculturas móviles y las instalaciones sitio - específicas las cuáles tratan temas sociales propios de la realidad americana, la hiperactividad cotidiana, la violencia, las guerras, la inmigración, la lengua, la identidad, la tecnología y la naturaleza, la dimensión pública del arte y la maneras en la cual interviene con aplicaciones el interés público, desde la experiencia histórico – artística.


El Museo del Barrio está situado en Edificio de HeckscherQuinto avenida 1230 (@ 104a calle), Nueva York 10029info@elmuseo.org

Lista de artistas que participan en Bienal del EL Museo:
Alejandro Almanza Pereda (1977; Ciudad de México, México) Blanka Amezkua (1971; Ciudad de México, México) Alessandro Balteo Yazbeck (1972; Caracas, Venezuela) Saidel Brito (1973; Matanzas, Cuba; vidas en Ecuador) * Toronjil A. Calderón (1974; Nueva York, NY; Puerto Rican) Pablo Cardoso (1965; Cuenca, Ecuador; vidas en Ecuador) * Liset Castillo (1974; Camagüey, Cuba) Vidal Centeno (1960; Nueva York, Nuyorican) Cecile Chong (1964; Guayaquil, Ecuador) César Cornejo (1966; Lima, Perú) Pedro Cruz-Castro (1970; Caracas, Venezuela) Franklin Evans (1967; Reno, nanovoltio; Mexicano) salir de los parásitos atmosféricos (latino y el gringo colectivos) Fernando Falconí (el an o 80; Guayaquil, Ecuador; vidas en Ecuador) Andrés García-Peña (1961; Milano, Italia; Colombian) Florencio Gelabert (1961; La Habana, Cuba) Eduardo Gil (1973; Caracas, Venezuela) Tamara Kostianovsky (1974; Jerusalén, Israel; levantado en la Argentina) Jessica Lagunas (1971; Managua, Nicaragua; levantado en Guatemala) Cristóbal Lehyt (1973; Santiago, Chile) EL C. Leonardo (1979 de Shaun; Reinas, NY; Dominicano/guatemalteco) José Lerma (1971; Sevilla, España; levantado en Puerto Rico) Adriana López Sanfeliu (1976; Barcelona, España) Luis Mallo (1962; La Habana, Cuba) Cecilia Mandrile (1969; Córdoba, la Argentina) Norma Márquez Orozco (1966; Chicago, IL; Guadalajara, México) Justin Mata (1979; Arbolado, CA; Chicano mexicano-americano) Iván Monforte (1973; Mérida, Yucatan, México) Alex Morel (1973; Nueva York, NY; Dominican) Lisette Morel (1974; Nueva York, NY; Dominican) Andrea Nacach (1975; Buenos Aires, la Argentina) Oscar Oiwa (1965; Sao Paulo, SP, el Brasil) Renzo Ortega (1974; Lima, Perú) Sebastián Patané Masuelli (1978; San Juan, la Argentina) Javier Piñón (1970; Miami, FL; Cubano) Maria Teresa Ponce (1974; Quito, Ecuador; vidas en Ecuador) * Dulce Pinzón (1974; Ciudad de México, México) Manuela Ribadeneira (1966; Quito, Ecuador; vidas en Inglaterra) * Jesús Rivera (1956; Ciego de Avila, Cuba) Carlos Rodríguez Cárdenas (1962; Cabaiguan, Cuba) José Ruiz (1975; Lima, Perú) Reinaldo Sanguino (1973; Caracas, Venezuela) Analia Segal (Rosario, la Argentina) Courtney Smith (1966; París, Francia; levantado en el Brasil) Germán Tagle (1976; Santiago, Chile) Sandra Valenzuela (el an o 80; Ciudad de México, México) Maria A. Valverde (1975, reinas, NY; Guayaquil, Ecuadoran) Guillermo Villalongo (1975; Hollywood, FL; Puerto Rican) Karin Waisman (1960; Buenos Aires, la Argentina) Katarina Wong (1966; York, PA; Cubano-Chino) Augusto Zanela (1967; Quilmes, Buenos Aires, la Argentina)


“El teatro es un arte contestatario y puede llegar a ser trasgresor por su capacidad de enjuiciamiento de las contradicciones sociales”




El teatro como forma de conocimiento nos permite tomar conciencia de nuestra realidad. Ha conseguido ser un testimonio de las diferentes épocas y sirve a demás como un termómetro de las relaciones del hombre con su entorno. Es inherente al nuevo teatro el compromiso con la dinámica social transformadora.Con motivo de la celebración de la III muestra Internacional de teatro de Lima, que reunió en cincuenta espectáculos a las más destacadas compañías de teatro nacionales e internacionales, Fernando Torres director del centro cultural del ICPNA nos responde:


¿Cómo ve al teatro en la actualidad?
Desde la época griega en la que el teatro reflejaba el interior humano a mantenido como constante la reflexión convirtiéndose en testimonio de las épocas.Charles Dickens retrata su época caracterizada por ser lúgubre y difícil, no ha perdido su sentido. Hoy en día más bien se ha ido perfeccionando hasta llegar a la interacción, es arte contestatario y puede llegar a ser trasgresor por su capacidad de enjuiciamiento de las contradicciones sociales.


¿Que es lo más destacado en esta muestra?
Esta muestra es la convocatoria más amplia que se ha realizado en el Perú, otra cosa importante es la inclusión de nuevos espacios teatrales en Comas y Villa el Salvador lo que ha permitido una integración de los espacios.


¿Cómo se pueden difundir el teatro en nuestro país?
Para la organización de estos proyectos se necesitan el concurso de tres elementos: los organizadores, los gestores culturales y los medios de comunicación. Estos últimos son los que juegan el papel principal en la difusión.


¿Cuál es el aspecto más importante, el rol de la muestra?
La idea de la muestra es el primer paso continuar el mayor desafío su continuidad, va a ser bienal y desde ya estamos preparando la cuarta muestra. Cincuenta espectáculos variados a elección en donde lo más innovador fué el teatro de pantalla como las obras “ Fedra” , “ El tío Vania “, “ Un hilo en la pata entre otras”.


¿A qué se refieren con el stand up comedie y la creación colectiva?
El Stand Up comedie es una forma de dramatizar lo cotidiano; más que teatro propiamente, es una forma unipersonal generalmente de entretenimiento a través de sus agudezas en las que involucra al auditorio. Hace llegar un humor cáustico, incluso llegando a la grosería. Por ejemplo en Nueva York en el Harlem es frecuente el lenguaje procáz.
La creación colectiva son grupos de teatro que no necesitan trabajar bajo la dirección de una persona.Plantean posiciones críticas y de avanzadas ante los anhelos transformadores. Es un trabajote introspección. Aquí en el Perú tenemos a Yuyachkani como ejemplo de colectiva. Este tipo de teatro es difícil, porque necesita mucha investigación y labor de ensamblaje del grupo.


Retratos: Identidad, memoria y poder

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¿Debe el retrato necesariamente guardar un parecido
con la realidad?




Vincent Van Gogh al hablar acerca de su obra "Jean Valjean", en homenaje al héroe de los Miserables de Víctor Hugo , dice "Que este personaje que la sociedad oprime y que pone fuera de ley al ser plasmado con mis rasgos obtiene tanto mi imagen personal como el retrato de todos nosotros".El retrato va más allá de representar a una persona. Un personaje resume las cualidades de toda una sociedad o cultura.

La Figura Humana es protagonista de las civilizaciones que por un lado crean el arte y por otro lado son creadas por el.
Baudelaire señalaba: "El retrato es una biografía dramatizada o más bien el drama inherente a todo ser humano. Nada es indiferente en el retrato, el gesto, la apariencia, la decoración sirve para representar un carácter… el artista primero ve aquello que se hace ver, pero también aquello que ha permanecido oculto".

Su valor histórico y sociológico sacia nuestra curiosidad por conocer a nuestros semejantes, las diversas costumbres y pensamientos de otros tiempos.
La muestra “Retratos, identidad, memoria y poder”, organizada por el Centro Fundación Telefónica y el Museo de Arte de Lima, en su proyecto “Arte para aprender”, que contribuye a la enseñanza de la historia del arte, tiene como objetivo mostrar aspectos de las más variadas formas de retratos, correspondientes a épocas y técnicas distintas.



El presente trabajo da una referencia histórica a la función del género en nuestro ámbito. De manera reveladora la exhibición explora las distintas formas y usos del retrato en el Perú. Ha llegado a adquirir una función de contrastación y de reinterpretación de la realidad con lo conceptual y lo figurado.
A diferencia de los retratos anteriores que mostraban un sector determinado de la sociedad, sean los gobernantes, donantes e íconos, hoy en día lo que reflejan es la ampliación de los segmentos de nuestra visión social utilizándolos como símbolos. Artes como el graffiti, el arte popular urbano, entre otros retratan a los obreros, empeladas del hogar y a otros personajes de distinta clase que forman parte de la realidad.


BLIP: Tecnología y arte

Posted by . On martes, 22 de julio de 2008 0 comentarios

ENTREVISTA A KIKO MAYORGA: “Es un laboratorio más que un taller de arte. No importa al final la etiqueta, lo que queremos es explorar.”

Proyectos orientados a la reflexión y crítica de la tecnología en el arte son presentados por BLIP: Robótica y Reciclaje, muestra que se expone en El Centro Fundación Telefónica, organizada por el reconocido artista electrónico Kiko Mayorga , quién respondió para ArteCorpus sobre los objetivos propuestos

A.c: ¿Cuál es el objetivo de BLIP? ¿Qué es lo que buscas?
Kiko Mayorga:
Me parece que lo más valioso de hacer este tipo de trabajo es que los creadores “vuelen” en cuanto a su percepción de la tecnología. Cómo la tecnología afecta sus vidas; es algo que ellos pueden transformar según sus objetivos y experiencia.
Con la información la tecnología se democratiza, se acerca a las personas. Es algo que se está volviendo parte de tu vida, utilizas todo tipo de dispositivos electrónicos para comunicarte, para chatear, para mandar mensajes de texto, e-mails, etc. La gente poco a poco puede empezar a entender los dispositivos electrónicos y modificarlos o proponer fácilmente funciones alternativas.
A.c: ¿Cuál es el planteamiento teórico-artístico que estás formando en esta exposición?
Kiko Mayorga: Es ya típico del arte explorar nuevas herramientas. La ciencia por lo general no piensa cuál es la función de la técnica, el arte generalmente no comprende a la técnica pero piensa en la función de esta, por ejemplo, al construirse la primera máquina de fotos, el arte comienza a cuestionarse si los cuadros van a perder su vigencia, ya que no tiene sentido representar la naturaleza visualmente de manera fiel, porque la cámara de fotos lo hace mejor que cualquier mano. El arte se asoma así a la vanguardia de nuevas herramientas, explora alternativas sobre arte y tecnología.
En los 90’s en Alemania aparece el primer centro de investigación sobre arte y tecnología, allí empiezan muchos científicos e ingenieros a explorar las realidades. Esto sucede también en el boom de las computadoras personales, las Interfaces o dispositivos mediante los cuales tú interactúas con un sistema. Una pantalla, un teclado , el mouse y el joystick son interfaces.
El arte por su parte explora nuevas interfaces, por ejemplo sensores como pantallas sensitivas al tacto para generar interacciones de diversos tipos. El título, que abarca todo esto, es: “Los nuevos Medios”. En los últimos 10 años hay un gran auge en la difusión de nuevos medios en la producción de obras, es decir ordenadores, interfaces, trabajo con sonido sintético, animación, también producción visual generativa.
Aparecen reflexiones sobre los nuevos medios y propuestas de comunicación que revisan sus posibilidades.
A.c: ¿Cuál fue el motivo de traer a artistas internacionales en la primera parte del proyecto?
Kiko Mayorga: Son artistas exponentes del arte electrónico, ¿Por qué traerlos de afuera? Porque acá no hay suficientes trabajos para una muestra, si hubiese arte electrónica en Lima, se expondría. Se trae a los artistas de afuera porque hay que mover un poco a la comunidad, ponerles ideas de ímpetu para que creen.
A.c: ¿Entonces esta muestra es previa a lo que veremos en marzo?
Kiko Mayorga:
Exacto. I/O es la primera parte, donde que se expusieron trabajos ya terminados, por ejemplo hay un trabajo que hice en comunión con José Carlos Martinat, sobre una impresora que tira papelitos. Era un autómata que estaba en la red buscando información, lo imprimía y lo tiraba. Ganó un premio en una versión parecida el año 2004 en España.
La tercera etapa pensada para BLIP, después de I/O era una exposición de robótica pero de artistas locales. Aquí no hay mucha gente que trabaje robótica, no existen esos trabajos, entonces vamos a reunir gente afín para que en grupo suelten sus ideas y vayan puliendo propuestas conceptuales. Hay un chico que quiere hacer un basurero que persigue a la gente incentivándola a botar la basura; otro quiere hacer una especie de bache que se coloca en la pista, cuando pasan los carros lo aplastan y se genera electricidad, es un bache pensado para que los ambulantes puedan energizar sus carritos de sándwiches o exprimidor de naranja, funcionan como generador eléctrico para sacar electricidad de la energía potencial del auto.
Alexandra Bianchi quiere convertir imágenes de tránsito en tiempo real en música, Cuando hay un atracón de carros hay cierta música y cuando los carros fluyen hay otra. Transformar una realidad en una representación sonora. Otro artista quiere construir una máquina que a partir de los latidos de tu corazón empiece a construir objetos en 3D.
Mi trabajo es escuchar las propuestas. ya sea contemplativa , analítica o emocional sobre la convivencia con la tecnología. Lo más importante para mí es que haya una reflexión sobre la tecnología. Son ejercicios asistidos, y asesorados para obtener ideas que tienen contenido.
A.c: ¿Qué impacto crees que va a tener las propuestas en el público?
Kiko Mayorga:
El público puede ver la libertad con la que los creadores desnudan, voltean, contemplan, proponen la tecnología.
Lo que espero es que esta muestra despierte la curiosidad por reinventar la tecnología según las propias vivencias, que sean conscientes de cómo afecta la vida.
Por ejemplo cambias tu cuenta de Hotmail a Gmail y antes de repente usabas Terra. Tienes tres cuentas de correo, entonces tu identidad se fragmenta, eso sucede cuando uno es consciente de lo que implica que estés creando cuentas y cuentas de correo que a la larga te puede traer problemas.
A.c: ¿Qué conclusión sacaste de la primera etapa de BLIP, que ahora encuentras y refuerzas hasta llegar a la tercera?
Kiko Mayorga:
Una conclusión importante que compartí con Jorge Villacorta, con el que estoy haciendo la curaduría, es que curiosamente en el Perú se consume un montón de tecnología, hay miles de cabinas de internet, la red está creciendo, es terreno fértil.
Y no hay que tenerle temor, es importante que la gente joven sea consciente que es un ser humano adaptado a la tecnología y que puede hacerla parte de las herramientas que maneja.
A.c: algunos artistas dicen que no se adaptan al uso de tecnología ya que al utilizarla su obra pierde esencia. ¿Qué opinas de esto?
Kiko Mayorga:
Eso es depende de lo que quieres transmitir. Tienes que ser un poco abierto a usarla, verla, entenderla, conocerla, estar al día de lo que hay. Además para mí esto es investigación interdisciplinaria, creatividad, curiosidad, comunicación, creación, no necesariamente es arte.
Es un laboratorio más que un taller de arte. No importa al final la etiqueta, lo que queremos es explorar. Es más, a mí me asusta la palabra arte, me molesta porque hay mucha gente que tiene temor de contemplar una obra de arte, hay muchos artistas que hacen obras que no se entienden y hay público que se siente inculto a la hora de ver una instalación.






Conozcamos uno de los Museos más destacados de Brasil , La Casa Museo Víctor Mereilles , cuyo nombre nos recuerda al importante artista brasilero de finales del siglo XIX, sede que en la actualidad presenta a las nuevas generaciones artísticas.


La ciudad de Florianópolis del Estado de Santa Catarina, al sur de Brasil en cuyo paisaje se aprecian lagunas, dunas y pequeñas islas que se extienden por todo su litoral, conserva su arquitectura proveniente de la colonización de los portugueses de las islas Azores y a lo largo de la costa nos muestran una serie de fortalezas, construidas para evitar la invasión de los españoles y los holandeses de los siglos XVI y XVII. Entre ellos, la Fortaleza de Santa Cruz, en la isla de Anhatomirim; la de São José de Ponta Grossa, entre las playas de Daniela y Jurerê, declarada Patrimonio Histórico, y la de Santo Antônio, en la isla de Ratones Grandes. En Pântano do Sul, también en el litoral, está la más auténtica aldea de pescadores de la capital.
En el centro de Florianópolis, con sus callejuelas, conjuntos de casas típicas, iglesias y museos se encuentra el antiguo palacio del gobierno, en la actualidad Museu Cruz e Souza, nombre dado en homenaje al poeta de Santa Catarina que integró el movimiento simbolista, y el Mercado Público, construido en 1898, que a la sombra de su higuera centenaria comercializa productos alimenticios y artesanía local. Cerca del centro está también la casa donde nació Victor Meirelles, uno de los autores que retrataron la primera misa rezada en Brasil.
El museo Victor Meirelles se encuentra incorporado dentro del IPHAN, como Patrimonio Nacional, desde 1950. esta casa guarda el estilo luso-brasileño arquitectónico de fines del siglo XVIII, donde el segundo piso era utilizado como vivienda mientras que en el primero, para el comercio y propiamente en esta casa era utilizada para taller y venta de las obras del padre del Artista: Antonio Meirelles de Lima.

“La Primera Misa de Brasil"

Nacido en 1832 en la cuidad de nuestra señora del destierro en Florianópolis, Víctor Mereilles de Lima , hijo de inmigrantes portugueses pasó su infancia boceteando paisajes de su isla.
Su vocación precoz fue estimulada por las autoridades de su ciudad , quiénes le otorgaron una bolsa destinada a seguir estudios en la Escuela Imperial de Bellas Artes en Ríoi e Janeiro.
A los veinte años con su obra "São João Batista no Cárcere" (1852), recibe como premio un viaje a Europa. Al retornar a Brasil obtiene el título de caballero de la orden de la Rosa y es nombrado profesor de pintura de la Academia

A partir de entonces se torna en uno de los mayores exponentes de las artes plásticas del Brasil del siglo XIX, dejó un extraordinario conjunto de obras, minuciosos esbozos en papel y óleo sobre tela. Su obras más destacadas fue "A Primeira Missa no Brasil"(“La Primera Misa en Brasil”) realizada en Río de Janeiro el 22 de febrero de 1903.

Meirelles hijo fue un pintor reconocido del medio por su estilo siempre acorde a las corrientes artísticas europeas como el neoclásico y romántico. Es justamente con la obra “La primera misa en Brasil”, que toca el tema histórico de la llegada de los portugueses al país, se presenta en el Salón de París en 1861 siendo la primera vez que se muestra un artista brasileño en exhibiciones internacionales. Murió en 1903, catorce años después que el país se volvió República. A finales de su vida la gloria se le había desvanecido con las nuevas ideas revolucionarias tanto en la política como en la pintura de fines de siglo, atravesando de manera pobre y enfermo sus últimos días.

La Casa de Víctor Mereilles cuyo estilo es típico de finales del siglos XVIII e inicio del siglo XIX, es una construcción que e os sobrados mais requintados.

Su arquitectura presenta la tipología y los elementos formales de las construcciones de su período.

Actualmente se expone una muestra permanente de las obras del artista en el segundo piso de la casa-museo mientras que en el primero se exponen artistas contemporáneos.



SEGUNDA NATURALEZA

La Casa Museo no solo proporciona un panorama de la producción del artista, si no también funciona como un espacio para realizar muestras temporales de arte contemporáneo de artistas consagrados y emergentes de escenarios nacionales e internacionales.
Así en estos momentos Hasta el 11 de abril se esta exhibiendo dos series que se realizaron en el 2006 pertenecientes a la artista Fabiana Wielewicki llamada: "Segunda Naturaleza: octavo piso" y "Recantos".
Fabiana Wielewicki nació en Paraná, un estado fronterizo con Argentina y Paraguay. Se graduó como bachiller en artes plásticas en la Universidad del Estado de Santa Catarina (UDESC) y realizó la maestría en Artes Visuales en la Universidad Federal de Rio Grande del Sur (UFRGS), en Brasil. Actualmente dicta clases de fotografía y arte contemporáneo.
Desde el año 2000 incorpora la fotografía en su trabajo y realiza una serie de fotomontajes, foto-objetos y foto-instalaciones.
Su producción insta a indagar la relación de la mirada hacia el paisaje y la creación de breves ficciones en la composición de la imagen.
La reflexión en la que Fabiana trabaja corresponde a la idealización que se tiene de la visión de Florianópolis, que es un espacio turístico exportado mediáticamente como imagen paradisiaca en contraposición de la ciudad urbana, la convivencia diaria que tiene como parte inmersa de esta visión, como ella propone: lo "bonito" del poner del sol y lo "feo" de la ciudad y del cemento.

En la serie "Recantos" se presenta un contraste entre naturaleza y artificialidad. Estos trabajos provocan la reflexión en el espectador. Son imágenes montadas que siguen una composición fotográfica clásica donde contrasta la naturaleza y la vegetación artificial de plástico vendidas en tiendas comerciales.

En la primera serie la artista contrapone el ambiente de su departamento con imágenes cliché, donde el cuerpo de la propia artista aparece como una indicación para una mirada sensibilizada de la imagen.
Aquella reacción es una de las ironías que se encuentran inmersas en la obra de la artista.
La idealización del paisaje marino que propone Fabiana corresponde al espacio al que pertenece: Florianópolis. En palabras de la artista: "(...) es un paisaje del interior del departamento, un panorama de la oficina, un cotidiano que no coincide con la idealización de vivir en una isla”.

Dirección: Rua Victor Meirelles Nº 59. C.P: 88010-440 Florianópolis – Sc
Teléfono: (+55) 48 - 3222-0692
E-mail: museu.victor.meirelles@iphan.gov.br


Proyecto Artchivo 2008

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Nuestro interés es hacer que el arte visual peruano sea accesible a todo el mundo, promocionandolo y dejando las puertas abiertas para quien quiera investigar en nuestro arte actual.

Después de dos años de funcionamiento, hemos decidido que la mejor manera de lograr esta meta es a través de la web. El objetivo es volvernos un gran portal de arte peruano agrupando a todos los artistas, grupos artísticos, centros de arte, etc.
A través de www.artchivo.com se podrá acceder a todos los artistas del Artchivo, y así, cuando se pulse el nombre de cualquiera de ellos, llevará al usuario a un blog del artista creado por nosotros, pero modificable por ellos. Si el artista ya tiene un blog o una pagina web entonces simplemente los linkearemos.

Además de ser un portal de arte peruano actual, también queremos desarrollar un espacio más subjetivo en nuestra web. Este espacio estará compuesto de ensayos escritos por miembros de Artchivo y colaboradores externos, acerca de la movida del arte en Lima y de videos cortos en torno al arte peruano.
Los videos que componen el Artchivo, son muestras de arte que han sucedido en Lima, conversatorios o visitas guiadas, etc.
Este año, nos enfocaremos en “retratos audiovisuales de artistas”. En 2 minutos mostraremos la personalidad de cada artista de una manera muy ligera e irreverente. El público podrá darse una idea de cómo es esta persona, cómo es su espacio de trabajo, qué lo inspira, etc.

Los videos del Artchivo van a estar colgados en diferentes espacios de internet a parte de nuestra página web. Uno de ellos es
www.videowebperu.com donde tenemos un canal llamado ARTCHIVO. En ese canal estamos colgando todos los videos que hagamos como primer paso para difundir nuestro proyecto y con él, al arte peruano.

Mariana Tschudi


Tecnología por el arte

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Juan Carlos Delgado.

Hablar de Arte digital todavía se hace difícil. Su comprensión recién empieza a ser planteada en términos científicos, en estos momentos trabajos simples ensayísticos luchan por entrar a un campo formal.

Los nuevos artefactos digitales, Hardware o Software son dispositivos o programas que se constituyen en los nuevos medios utilizados por las recientes generaciones de artistas. Términos tales como arte generativo, vida artificial, video arte, animación, música experimental, fractales, imagen processing, interactividad, estética y teoría del arte digital es la parafernalia del artista actual.

La estética digital dentro de un entorno electrónico avanzado ha venido a revolucionar el taller convencional del artista y el artista a su vez hace uso de la exploración del software y los programas gráficos. La estética del arte se ha mantenido aún habiendo cambiado el arte y su significado. Constituye el ámbito de la intuición subjetiva y la expresión virtual producto de la inteligencia.

Si el “arte” es - como dice Bergson – “Una visión directa de la realidad” consideramos a los medios modernos como medios naturales de expresión artística, ya que presentan y reproducen la vida casi como un espejo -señala D.A.Dondis

En el video del proyecto Flujo, Mariana Tschudi , artista integrante de Artchivo.com portal web que busca integrar todos los grupos artísticos , nos comenta que estos nuevos medios le permiten mezclar la pintura , el trabajo del color y la composición académica con el fotoshop , la animación y que al colocarlos en la web de un trabajo individualista en el taller se convierte en algo universal , global sin parámetros.



El trabajo digital es una substracción de la realidad, se puede decir que es una relectura del barroco por la acumulación, densidad, inestabilidad, mutabilidad y desarticulación de los detalles, suprimiendo los centros únicos y cuestionando la instancia matriz de la identidad. Las imágenes migran desde su nacimiento hasta su configuración como elementos híbridos. Las obras artísticas se presentan como objetos de experimentación donde el artista y el investigador se fusionan para transformar su proceso creativo.
El uso de la pintura, el dibujo con nuevos medios, textos, imágenes, objetos y sonidos ensamblados de forma no lineal permiten el desarrollo de diversas expresiones vinculadas a la comunicación y el arte.

En la obra Magna Opera, el artista visual peruano Rafael Besaccia representa los asuntos de la memoria bajo un ritmo de edición que refuerza un patrón de hechos secuénciales a modo de metáforas que pretenden llevar a un desenlace.
Sus composiciones sean pintura o animación toman diversas formas no buscando la perfección estética, si no buscando crear un clima emocional en el espectador.

A diferencia de la publicidad, se presentan como expresiones líricas, abstractas no narrativas. Los artistas manipulan, repiten y serializan imágenes de manera infinita consiguiendo una serie de elementos múltiples que modifican las formas , colores y significados .El artista digital es el que a través de un proceso de formación estética y discursiva del conocimiento realiza su trabajo siguiendo la normativa de parámetros y referentes que respaldan su arte.


En la obra de Juan Carlos Delgado, vemos una serie de pinturas que representan el encuentro íntimo del artista. Las imágenes surgen a medida que va trabajando en un proceso tanto estético como de autoconocimiento.

Si bien la tecnología no transmite el sentimiento, la imagen del videoarte realizado en formato 3d y animación “Corazón” es un medio que nos ayuda a comprender lo más profundo del ser, la energía vital. “El latido de la vida y de la creación está en cada uno de nosotros. El arte es una de las formas de conectarse con esta creatividad esencial “nos dice Juan Carlos.


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