Abarcando Espacios

Posted by . On martes, 12 de agosto de 2008 0 comentarios

Imágenes sueltas , sacadas de su contexto para ser reinterpretadas , es lo que nos presentó Juan Diego Vergara en la Galería Pancho Fierro de la Municipalidad de Lima


Por: Eibby Rosillo, investigadora egresada de la Escuela de Arte de San Marcos.



Juan Diego nos recibe una mañana al final del verano. Inicia la conversa con ArteCorpus puntualizando que en estos momentos está becado por la fundación Renné Navarrete, quiénes están promocionado su trabajo.Las obras de este joven artista plástico han cambiado desde sus inicios. Según nos comenta, las primeras tenían mucho del expresionismo abstracto, jugaba con la pintura superponiendo capas; ahora es mas técnica, más dibujo que pintura; el carbón domina sobre la tela de manera figurativa.


Investigar sobre el uso de diversos elementos y el empleo de objetos de deshecho lo han llevado a usar telas, lisas, estampadas y retazos "me hace sentir cómodo el uso de esos materiales, por ejemplo los retazos sustituyen los brochazos de óleo". La razón de estos cambios es la búsqueda de que el mensaje sea más claro " tenía la necesidad de ver ojos y caras" ; " antes la catarsis era botar todo al lienzo"." El impulso de tener la tela al frente y que quede plasmada una imagen es mi necesidad hoy "." El Cielo y el Suelo""Me llama mucho lo visual y trabajo con imágenes sueltas", carátulas de CD 's , imágenes de Santos , gráficas de Hare Krishna, todo vale para conformara nuevos contextos y crear espacios. La forma dual aparece en la relación de lo religioso, intangible, no real, que va de lado del cielo frente al otro que es la vida común; el colegio, el tráfico, la avenida "Pintar en el centro de Lima es toda una carga", es el suelo .


Lo que no nos extraña ya que la visión de lo dual siempre ha estado presente en nuestra idiosincracia.El resultado; la muestra tiene su peso testimonial, ha logrado rebasar los cuadros , abarcar los espacios , jugar con la sala.Arte en videoJuan Diego opina "Muy buenas cosas , me encanta que la gente experimente , investigue , me gusta que haya algo de artesanía en el video, que no tenga mucha computadora , que se sienta que esta hecho por un artista; uso el video en el arte , pero no soy videoartista" De hecho lo que nos transmite Vergara es una realidad indiscutible , en el arte siempre va a predominar la plástica y lo manual sobre la tecnología que vendrá a ser sólo uno de los medios para la creatividad.


TEOLOGIA INDECENTE

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La experiencia Humana de lo sagrado





La sala de exposición de la Biblioteca Central Pedro Zulen de San Marcos, presenta la exposición “Teología Indecente, la experiencia Humana de lo sagrado”.
El artista Fredy Caballero presenta una visión de una religión personal que cuestiona el poder del lenguaje plástico que ejerce sobre el comportamiento humano.




Retratos del subconsciente

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Patricia Eyzaguirre



El uso del collage artesanal como base para la representación de personajes oníricos surrealistas, constantes en el imaginario, es el sello de la artista peruana Patricia Eyzaguirre , pintora egresada de la Universidad católica y ganadora de diversos concursos: XII Concurso Nacional de Artistas Jóvenes Southern Perú Cooper Corporation - ICPNA (1997). Cuarto Concurso de Pintura Johnnie Walker (1998) y “Pasaporte para un Artista” organizado por la Embajada de Francia (1998).
A pesar de Las recientes tendencias de los artistas jóvenes hacia el hiperrealismo metafórico o casi fotográfico, con técnicas sofisticadas, cuyas imágenes se presentan como retratos o registros visuales de su personalidad y vida cotidiana; vinculada a su vez con el arte popular actual; la obra de Eyzaguirre hace reflexionar sobre su discurso figurativo y trabajo artesanal.


La artista retorna a las representaciones visuales de su subconciente, imágenes que guarda y que se presentan sin ninguna represión en sus sueños llevándonos hacia un registro verdadero, más personal y más claro.
El individualismo, le feminidad, lo andrógino, el erotismo y la introspección se reflejan en sus personajes (como alter ego) que evolucionan en cada cuadro.
La corriente surrealista siempre ha sido uno de los medios más efectivos para explorar la esencia y los sentidos. De este modo nuestro yo se plasma en diversos niveles. Salir de los métodos lógicos para acercarse a la realidad y a la imaginación en donde no haya límites para los sentidos.

El artista Francés Clemente planteaba que: «Primero se establece el 'Yo'. Después lo abandonas por el 'Nonato'. A continuación, atraviesas un campo de transformación en 'Bestiario'. Seguidamente, tomas posesión de tus poderes”.

He usado diferentes soportes y temáticas, al comienzo realizaba un trabajo mas urbano y oscuro. La paleta la fui variando hasta cierta luminosidad, en cuanto al tema me ha ido interesando lo corporal en un sentido amplio, siempre he intentado mantener algún hilo conductor buscando una coherencia en la lectura. Tengo diferentes intereses, desde el papel recortado, objetos en pequeña escala y la pintura, busco replantearme constantemente” nos dice patricia.


Elementos naturales, ornamentos y símbolos nos remiten hacia la Esquematización y la función mágica primitivista.
Sin embargo, en mi opinión, las veladuras y sombras difusas hubiesen afianzado la idea de irrealidad (recordando a Tilsa).
Lo que rescato de la obra de Patricia no es sólo la perfección al retratase superficialmente como tal, sin no, llegar a reflejar su carácter, su yo interno con todo y su complejidad.


Kore : ¿Provocación?

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Kore (doncella en griego) es el apelativo que ha adoptado esta destacable historiadora del arte española Teresa Moreno, quién a través su espacio web analizarte.com acerca la historia del arte y las artes contemporáneas mediante diversos análisis y comentarios polémicos -“claros sin tecnicismos” como ella señala - a las nuevas generaciones de artistas y apasionados del arte.
En esta edición ArteCorpus buscando el intercambio cultural a través de este nuevo espacio presenta uno de sus más controversiales temas.


¿Provocación?
Según la Rae, "provocación" es el efecto de provocar, que se define así: "Hacer que una cosa produzca otra como reacción o respuesta a ella"
Hace unos días, en el blog de Avartist pudimos ver una obra que claramente buscaba eso: un efecto en el espectador. Se trata de la fotografía de un ano, que podéis ver a vuestra izquierda.
¿Es necesaria la provocación en el arte actual? ¿Se acabaron las ideas y se pasa al éxito fácil? La provocación no es nada nuevo en el arte, Velázquez retrataba a los enanos de la Corte quizá para buscar una reacción por parte del espectador; Goya hizo sus Caprichos con este fin.

Probablemente desde que el movimiento dadaísta surgió en el siglo pasado este sentimiento es manifiesto en todo el arte. Se busca una reacción por parte del espectador, ya sea positiva o negativa.Duchamp propuso un objeto fuera de contexto y se lo devolvieron como si fuera una escultura. También pasaba con los surrealistas, que buscaban en lo onírico una respuesta por parte del público para que dejara sus pensamientos inconscientes a flor de piel para entenderlo.
De eso se pasó a una provocación mucho más "inteligente", el arte povera. Entendía que el desperdicio humano se podía convertir en objeto de exposición, como una crítica al capitalismo. Y de ahí a la "Mierda de artista" hay un paso…

En estos últimos años, la provocación a mi entender ha surgido en tres vertientes:
- Religiosa. Es algo habitual en los artistas del siglo XXI incluir a la Iglesia como institución y al cristianismo como ideología en su temática habitual. Esto hace que se de un gran debate tanto ético como moral en el espectador, que mira a veces consternado y otras veces cómplice de esta crítica/manifestación.
- Sexual. El sexo es algo implícito en el ser humano, pero en muchas ocasiones y sobre todo en muchos lugares es un tema tabú. Algo que los artistas potencian para hacer que su trabajo sea conocido, trascender y "hacer" hablar. Además, por supuesto, de criticar este mismo tabú y hacer pensar en ello.
- Moral. En los últimos años una temática muy avanzada en el mundo del arte, busca meter el dedo en la llaga del espectador con debates morales acerca de la muerte, de la vida, de la sangre,…Se expresan por medio de imágenes inquietantes, con imágenes políticamente incorrectas. Hacer daño, ya sea para producir un debate o para, simplemente, darse a conocer.
Estos tres elementos no suelen ir aislados. Si bien la provocación religiosa tiene mucho efecto, mezclarlo con la sexual o moral tiene éxito asegurado.

Y hablamos de éxito porque la mayoría de los artistas lo que pretenden es que su obra traspase fronteras. Está el concepto de artista élite, el dios entre los artistas que quiere convertirse para los anales de la historia en un personaje de enciclopedia. Independientemente de la calidad, técnica o historial que tengan. Lo importante es destacar.

Esto se puede extrapolar a la sociedad actual, tampoco es para echarse las manos a la cabeza con nuestro arte. Toda la historia del arte tiene un componente de influencia social muy fuerte. A sociedad destrozada, arte destrozado para entendernos. Por eso, en nuestro país prolífico a Tomates y personajillos raros, que lo único que pretenden es sacar dinero y vivir como reyes, tampoco es extraño encontrarnos con arte degradante del gusto o de la lógica.

La provocación ha sido a lo largo de la historia del arte un paso más en busca de una nueva percepción, un acercamiento al espectador. Pero… ¿por qué? ¿Es necesaria la provocación fácil?
Volviendo a extrapolar el tema, si en este blog en vez de arte estuviera hablando de la Iglesia, mezclándolo con el sexo y tocando temas que hieren la moral, tendría muchísima más audiencia. Como decía Buñuel, "gracias a Dios soy atea", así que tranquilos, no voy a hacer eso…
Simplemente deciros ¿habría que marcar los límites de la provocación? ¿Cuáles serían? ¿Creéis que la provocación fácil ayuda al espectador o lo convierte en una víctima más de la incomprensión del arte?
Quien es provocativo, ¿el que provoca o el que no provoca? Es decir, si se busca provocación y se va a lo fácil, deja de provocar y pasa a ser predecible…así que… ¿a quién quieren provocar?


Pancho fierro y el costumbrismo en Lima

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Destacable: Turismo Educativo para el arte

Pancho Fierro nació el año de 1807 en el tradicional distrito del Rímac y murió en julio de 1879, poco después que estallara la guerra del Pacífico, en el hospital Dos de Mayo. Fue pintor autodidacta que vivió los últimos años del virreinato, la lucha por la independencia, el nacimiento del nuevo estado y los nuevos patrones sociales.. Realizó con gran maestría y originalidad la más importante serie de acuarelas sobre las costumbres de Lima, la cual se estima en más de 1200 escenas de la vida limeña.
En sus trabajos recoge temas y personajes entre las que sobresalen las tapadas, el transporte, fiestas y bailes, comerciantes, frailes entre otros.

Los Pregones de Lima: La Lima del XIX era ciudad donde la presencia de los vendedores marcaba un ritmo particular. Los denominados pregoneros, perennizados en la plástica por algunos artistas como Mauricio Rugendas, Leonce Angrand y Pancho Fierro, y en la literatura, por Ricardo Palma. Estos personajes salían a horas determinadas a las calles y a la voz de conocidas coplas ofrecían sus productos. La compositora peruana Rosa Mercedes Ayarza de Morales rescató letra y melodía de muchas de ellas plasmándolas en su ciclo "Antiguos pregones de Lima" que en ésta oportunidad serán interpretados por reconocidos cantantes de la actual escena lírica de nuestra capital
En el marco de la conmemoración del Bicentenario del nacimiento del pintor Pancho Fierro, la Oficina de Información y Turismo del Centro Cultural de la Universidad de San Marcos y la Asociación Cultural K’ASAPI con el auspicio del Banco de Crédito del Perú, Centro Cultural de España, Municipalidad de Surco, Municipalidad de Jesús María, Municipalidad de Magdalena y Centro Cultural de la Universidad Nacional de Ingeniería, presentaron la exposición itinerante de las reproducciones de las acuarelas del artista perteneciente a la colección del Banco de Crédito del Perú con el nombre “ Pancho Fierro y el costumbrismo “ innovador proyecto que une las actividades turísticas con la enseñanza de la historia del arte peruanos.



El proyecto forma parte de las actividades que realizan ambas instituciones para difundir y descentralizar actividades culturales mediante el desarrollo de programas que conjugan turismo, historia y arte, promoviendo al mismo tiempo la participación masiva del público.
Con visitas guiadas a los lugares más importantes del Centro Histórico de Lima relacionados con el artista y el tema del costumbrismo incluyendo la asistencia a la exposición y al espectáculo teatral “Los Pregones de Lima” interpretados por reconocidos cantantes de la actual escena lírica de nuestra capital.


Informes y CoordinacionesOficina de Información y Turismo Centro Cultural de San Marcos. Telf. 6197000 anexo 5206 / 97079601Email: turismo.ccsm@unmsm.edu.pe / kasapi_ac@yahoo.es




Museo del Barrio de Nueva York

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La búsqueda de identidad de la comunidad latina en los Estados Unidos propició la creación de una institución cultural y educativa que reivindicaba las raíces latinoamericanas.




Fué fundada en 1969 por el artista y educador Raphael Montañez Ortiz en respuesta al interés de los padres, educadores, artistas y activistas de Puerto Rico en Harlem del este, movidos por la idea de que las instituciones importantes del arte descentralicen sus colecciones artísticas y muestren la variedad de culturas de Latinoamérica.

Iniciada en el aula de una escuela pública, en 1977 se traslada a su actual sede un edificio neoclásico de Heckscher en la Quinta avenida 1230 de Nueva York la cuál abarca 31 instituciones, cuyo movimiento permite al Museo no sólo estar en contacto directo con la población de habla hispana , si no ser una sede clave en un circuito artístico cultural que integra el Museo Metropolitano del Arte , El Museo Guggenheim, El Museo Judío y el Museo de la cuidad de Nueva York.

Sus exposiciones y actividades buscan integrar las expresiones artísticas de Puerto Rico, de los países latinoamericanos y caribeños como un redescubrimiento y orgullo de una de las comunidades más amplias asentadas en la actualidad en norteamérica.
El museo preserva una extensa colección de obras, pre-colombinas , artes tradicionales, las impresiones del vigésimo-siglo, los dibujos, las pinturas, las esculturas , instalaciones, fotografía, así como películas documentales y vídeos las cuáles exhibe e interpreta para el público bilingüe en general adultos , niños , estudiantes y para los conocedores, presentándoles espacios especializados y preparándolos para la labor museográfica y curatorial hacia una nueva generación de profesionales.

Apoyada por diversas fundaciones e instituciones privadas como El Instituto de Lenguas Cervantes en la actualidad, El Museo del barrio presenta la quinta edición de la Bienal del Museo “Los Archivos 007”, curada por los guardiánes adjuntos del Museo Elvis Fuentes y Carmen Ramos donde se puede apreciar obras experimentales de artistas emergentes de diversos barrios locales, siendo Ecuador el país invitado para esta ocasión.
Los trabajos seleccionados de México, Venezuela, Cuba, Colombia, Perú y Argentina van desde lo tradicional hasta los proyectos que integran la luz, sonido, elementos interactivos, esculturas móviles y las instalaciones sitio - específicas las cuáles tratan temas sociales propios de la realidad americana, la hiperactividad cotidiana, la violencia, las guerras, la inmigración, la lengua, la identidad, la tecnología y la naturaleza, la dimensión pública del arte y la maneras en la cual interviene con aplicaciones el interés público, desde la experiencia histórico – artística.


El Museo del Barrio está situado en Edificio de HeckscherQuinto avenida 1230 (@ 104a calle), Nueva York 10029info@elmuseo.org

Lista de artistas que participan en Bienal del EL Museo:
Alejandro Almanza Pereda (1977; Ciudad de México, México) Blanka Amezkua (1971; Ciudad de México, México) Alessandro Balteo Yazbeck (1972; Caracas, Venezuela) Saidel Brito (1973; Matanzas, Cuba; vidas en Ecuador) * Toronjil A. Calderón (1974; Nueva York, NY; Puerto Rican) Pablo Cardoso (1965; Cuenca, Ecuador; vidas en Ecuador) * Liset Castillo (1974; Camagüey, Cuba) Vidal Centeno (1960; Nueva York, Nuyorican) Cecile Chong (1964; Guayaquil, Ecuador) César Cornejo (1966; Lima, Perú) Pedro Cruz-Castro (1970; Caracas, Venezuela) Franklin Evans (1967; Reno, nanovoltio; Mexicano) salir de los parásitos atmosféricos (latino y el gringo colectivos) Fernando Falconí (el an o 80; Guayaquil, Ecuador; vidas en Ecuador) Andrés García-Peña (1961; Milano, Italia; Colombian) Florencio Gelabert (1961; La Habana, Cuba) Eduardo Gil (1973; Caracas, Venezuela) Tamara Kostianovsky (1974; Jerusalén, Israel; levantado en la Argentina) Jessica Lagunas (1971; Managua, Nicaragua; levantado en Guatemala) Cristóbal Lehyt (1973; Santiago, Chile) EL C. Leonardo (1979 de Shaun; Reinas, NY; Dominicano/guatemalteco) José Lerma (1971; Sevilla, España; levantado en Puerto Rico) Adriana López Sanfeliu (1976; Barcelona, España) Luis Mallo (1962; La Habana, Cuba) Cecilia Mandrile (1969; Córdoba, la Argentina) Norma Márquez Orozco (1966; Chicago, IL; Guadalajara, México) Justin Mata (1979; Arbolado, CA; Chicano mexicano-americano) Iván Monforte (1973; Mérida, Yucatan, México) Alex Morel (1973; Nueva York, NY; Dominican) Lisette Morel (1974; Nueva York, NY; Dominican) Andrea Nacach (1975; Buenos Aires, la Argentina) Oscar Oiwa (1965; Sao Paulo, SP, el Brasil) Renzo Ortega (1974; Lima, Perú) Sebastián Patané Masuelli (1978; San Juan, la Argentina) Javier Piñón (1970; Miami, FL; Cubano) Maria Teresa Ponce (1974; Quito, Ecuador; vidas en Ecuador) * Dulce Pinzón (1974; Ciudad de México, México) Manuela Ribadeneira (1966; Quito, Ecuador; vidas en Inglaterra) * Jesús Rivera (1956; Ciego de Avila, Cuba) Carlos Rodríguez Cárdenas (1962; Cabaiguan, Cuba) José Ruiz (1975; Lima, Perú) Reinaldo Sanguino (1973; Caracas, Venezuela) Analia Segal (Rosario, la Argentina) Courtney Smith (1966; París, Francia; levantado en el Brasil) Germán Tagle (1976; Santiago, Chile) Sandra Valenzuela (el an o 80; Ciudad de México, México) Maria A. Valverde (1975, reinas, NY; Guayaquil, Ecuadoran) Guillermo Villalongo (1975; Hollywood, FL; Puerto Rican) Karin Waisman (1960; Buenos Aires, la Argentina) Katarina Wong (1966; York, PA; Cubano-Chino) Augusto Zanela (1967; Quilmes, Buenos Aires, la Argentina)


“El teatro es un arte contestatario y puede llegar a ser trasgresor por su capacidad de enjuiciamiento de las contradicciones sociales”




El teatro como forma de conocimiento nos permite tomar conciencia de nuestra realidad. Ha conseguido ser un testimonio de las diferentes épocas y sirve a demás como un termómetro de las relaciones del hombre con su entorno. Es inherente al nuevo teatro el compromiso con la dinámica social transformadora.Con motivo de la celebración de la III muestra Internacional de teatro de Lima, que reunió en cincuenta espectáculos a las más destacadas compañías de teatro nacionales e internacionales, Fernando Torres director del centro cultural del ICPNA nos responde:


¿Cómo ve al teatro en la actualidad?
Desde la época griega en la que el teatro reflejaba el interior humano a mantenido como constante la reflexión convirtiéndose en testimonio de las épocas.Charles Dickens retrata su época caracterizada por ser lúgubre y difícil, no ha perdido su sentido. Hoy en día más bien se ha ido perfeccionando hasta llegar a la interacción, es arte contestatario y puede llegar a ser trasgresor por su capacidad de enjuiciamiento de las contradicciones sociales.


¿Que es lo más destacado en esta muestra?
Esta muestra es la convocatoria más amplia que se ha realizado en el Perú, otra cosa importante es la inclusión de nuevos espacios teatrales en Comas y Villa el Salvador lo que ha permitido una integración de los espacios.


¿Cómo se pueden difundir el teatro en nuestro país?
Para la organización de estos proyectos se necesitan el concurso de tres elementos: los organizadores, los gestores culturales y los medios de comunicación. Estos últimos son los que juegan el papel principal en la difusión.


¿Cuál es el aspecto más importante, el rol de la muestra?
La idea de la muestra es el primer paso continuar el mayor desafío su continuidad, va a ser bienal y desde ya estamos preparando la cuarta muestra. Cincuenta espectáculos variados a elección en donde lo más innovador fué el teatro de pantalla como las obras “ Fedra” , “ El tío Vania “, “ Un hilo en la pata entre otras”.


¿A qué se refieren con el stand up comedie y la creación colectiva?
El Stand Up comedie es una forma de dramatizar lo cotidiano; más que teatro propiamente, es una forma unipersonal generalmente de entretenimiento a través de sus agudezas en las que involucra al auditorio. Hace llegar un humor cáustico, incluso llegando a la grosería. Por ejemplo en Nueva York en el Harlem es frecuente el lenguaje procáz.
La creación colectiva son grupos de teatro que no necesitan trabajar bajo la dirección de una persona.Plantean posiciones críticas y de avanzadas ante los anhelos transformadores. Es un trabajote introspección. Aquí en el Perú tenemos a Yuyachkani como ejemplo de colectiva. Este tipo de teatro es difícil, porque necesita mucha investigación y labor de ensamblaje del grupo.


Retratos: Identidad, memoria y poder

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¿Debe el retrato necesariamente guardar un parecido
con la realidad?




Vincent Van Gogh al hablar acerca de su obra "Jean Valjean", en homenaje al héroe de los Miserables de Víctor Hugo , dice "Que este personaje que la sociedad oprime y que pone fuera de ley al ser plasmado con mis rasgos obtiene tanto mi imagen personal como el retrato de todos nosotros".El retrato va más allá de representar a una persona. Un personaje resume las cualidades de toda una sociedad o cultura.

La Figura Humana es protagonista de las civilizaciones que por un lado crean el arte y por otro lado son creadas por el.
Baudelaire señalaba: "El retrato es una biografía dramatizada o más bien el drama inherente a todo ser humano. Nada es indiferente en el retrato, el gesto, la apariencia, la decoración sirve para representar un carácter… el artista primero ve aquello que se hace ver, pero también aquello que ha permanecido oculto".

Su valor histórico y sociológico sacia nuestra curiosidad por conocer a nuestros semejantes, las diversas costumbres y pensamientos de otros tiempos.
La muestra “Retratos, identidad, memoria y poder”, organizada por el Centro Fundación Telefónica y el Museo de Arte de Lima, en su proyecto “Arte para aprender”, que contribuye a la enseñanza de la historia del arte, tiene como objetivo mostrar aspectos de las más variadas formas de retratos, correspondientes a épocas y técnicas distintas.



El presente trabajo da una referencia histórica a la función del género en nuestro ámbito. De manera reveladora la exhibición explora las distintas formas y usos del retrato en el Perú. Ha llegado a adquirir una función de contrastación y de reinterpretación de la realidad con lo conceptual y lo figurado.
A diferencia de los retratos anteriores que mostraban un sector determinado de la sociedad, sean los gobernantes, donantes e íconos, hoy en día lo que reflejan es la ampliación de los segmentos de nuestra visión social utilizándolos como símbolos. Artes como el graffiti, el arte popular urbano, entre otros retratan a los obreros, empeladas del hogar y a otros personajes de distinta clase que forman parte de la realidad.


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