La cumbia se originó en la década de los sesentas debido a la difusión del mambo y ritmos afro caribeños, desde ahí hasta la actualidad este género musical ha sido desdeñado porque tuvo acogida en el ambiente migrante y marginal; además se fusionó con huaynos regionales, ritmos selváticos, pasillos, san juanitos, entre otros y desde el 2007 se ha popularizado de tal forma en el circuito mediático que ha tomado un camino de aceptación entre la totalidad de las clases sociales peruanas.



La música es indispensable en la cosmovisión andina, para ello basta observar el calendario festivo en el que cada mes está dedicado a un aspecto comunal o ritual que se mantiene desde antes de la llegada de los españoles en 1532. Es por ello que nuestra diversidad cultural se manifiesta también en una profusión de géneros musicales, muchos de ellos combinados con otros ritmos foráneos; pero siempre se logra identificar sus características propias.

La cumbia, por lo tanto, se produce en ese mismo contexto. El etnomusicólogo Raúl Romero ha analizado con mayor profundidad este tema y propone tres grandes estilos: el primero, que se caracteriza por la interpretación muy pegada a la cumbia colombiana con la introducción de dos guitarras eléctricas y un bajo, además de los bongós y timbales que eran propios de aquel género. Los músicos son de la capital y de aquí se desprenden Los Destellos, agrupación que apareció hacia fines de los sesenta y titulaban sus composiciones con nombres andinos. Una de estas canciones es Caminito Serrano . También adaptan, por ejemplo, temas clásicos como el famoso Para Elisa, de Ludwig V. Beethoven. Siguiendo con Romero, el segundo estilo se produce con la fuerte influencia que recibe del huayno, denominado también Cumbia Folk o Tropical andino. Es aquí donde se concibe ya el término Cumbia Peruana y/o Música Chicha, y que caracteriza al aspecto informal que adopta la capital debido a la fuerte migración del campo a la ciudad inducido después de la reforma agraria impuesta por el general Velasco Alvarado en los setenta, convirtiéndose en un fenómeno musical que se expande incluso hasta la Argentina, según lo muestra Jorge Chávez Malaguer, músico y compositor del Grupo Maravilla. Esta corriente toma como grupo exponente a Los Shapis, conformado por Julio Simeón “Chapulín” y Jaime Moreira, ambos nacidos en provincia, que adaptan temas tradicionales como el huayno El alisal y lo transforman en El aguajal o componen temas con sabores muy andinos: voz tensa y llorona con un pulso rítmico similar a los huaynos populares. Los Shapis introducen el uso de sintetizadores y también el órgano electrónico para mediados de los ochenta y es por ellos que los medios de comunicación los cubren con mucha atención, haciendo su parte los antropólogos y sociólogos. Además de Los Shapis, otros conjuntos de cumbia también hacían su parte como Chacalón y la nueva crema, Alegría, Los diablos rojos, Los Pakines, Manzanita y su conjunto, Los Ecos, Grupo Maravilla, Grupo Naranja, Grupo Guinda, Los Beta 5, Pintura Roja, entre otros.



Y por último, el tercer gran estilo que señala Romero, se produce con la contribución de la música tropical selvática en la cumbia. Tenemos así a Los Mirlos y Juaneco y su Combo. Posteriormente, hacia la década de los noventas, el boom de la tecnocumbia (ritmos de cumbia con la predominancia de instrumentos eléctricos) se mostraba con Rossy War a la vanguardia, incluía también el tex-mex y mantenía poca o ninguna relación, con el huayno andino. Dichas características, además de un vestuario distinto y el rol que la mujer protagonizó, hicieron que este género se popularizara en diversos medios sociales. La llegada de ritmos de la selva brasileña, como la toada, convirtió a la cumbia en un ritmo expresivo y con marcada coreografía que se manifestó en las emisoras radiales y circuitos televisivos, destacando el grupo Euforia.



Sin embargo la cumbia ha servido también para campañas presidenciales, cortinas de humo y, durante la década de los noventa, la chicha como la habíamos escuchado se confunde entre diversos estilos que toman fuerza. Resulta inolvidable –y penoso para muchos– el video que popularizó Alberto Fujimori con el Baile del Chino para postular por tercera vez a la presidencia de la república el año 2000. En este spot, a ritmo de tecnocumbia, se observa a distintos grupos sociales bailando animadamente con el entonces presidente que buscaba identificarse y acercarse por medio de este género a las masas populares. Esto no es fortuito y aunque definitivamente haya nacido por un interés político no podemos dejar de lado el fenómeno que la cumbia ejerce en la identidad nacional.



Otro caso que merece la pena observar es que durante los primeros años del siglo XXI, en las emisoras radiales y shows televisivos de señal abierta se dejó de tocar la cumbia con la intensidad de antes, tomando la posta ritmos foráneos como el hip hop, reggaetton, dancehall y demás. Fue para el 2007 con la muerte del grupo Néctar y de la cantante folklórica Sara Barreto (conocida como la “Muñequita Sally”), quien había pertenecido al grupo de cumbia Pintura Roja en los 80’s junto a Johnny Orozco, que la cumbia reapareció en los medios con temas del Grupo 5 y Bareto. El Grupo 5 merece consideración porque ha llegado a sectores sociales donde la cumbia no lo había hecho antes, además con la adaptación del tema La Culebrítica, un tema de autoría del mexicano Isidro Vargas Herrera, la popularidad que obtuvieron gracias a ella los encumbró en el ambiente musical de la cumbia. Esto los llevó a realizar presentaciones en espacios exclusivos como fue el caso del centro de convenciones del hotel María Angola para el 2008. Bareto en cambio se inició tocando géneros como el ska y reggae en espacios alternativos como lo es la discoteca Vocé (Lince), pero el 2008 produce el álbum Cumbia, homenajeando a grupos de la cumbia clásica como Juaneco y su combo (del emblemático tema Ya se ha muerto mi abuelo), Los Shapis y Chacalón y la nueva crema, sirviendo de nexo entre un género popular y sectores económicos pudientes que no habían tenido relación estrecha con ella. Bareto adapta la cumbia a un estilo propio, coqueteando con los géneros con los que inició (rock, ska y reggae) en posturas e instrumentos, manteniendo muchas de las canciones de su disco en versión instrumental.



Mención aparte resulta el fenómeno de Abelardo Gutierrez “Tongo”, quien con su popular Sufre peruano, sufre y La Pituca en español, inglés e italiano se ha presentado en la discoteca “Aura” de Larcomar y ha llegado incluso a las discotecas de Asia, un circuito exclusivo de los sectores altos. Con esto el “Tongo” ha cautivado al público más por su carisma y la sátira hacia su propia persona que por su música.



Por estos últimos aportes puedo incluir a la cumbia dentro de una corriente que forma la identidad musical peruana. Tanto que en el 2008 se realizaron dos conciertos en la discoteca Vocé de Lince, uno en junio llamado CumbiaVIP, que contó con la participación de Los Caribeños de Guadalupe; y Los Shapis le pusieron un nuevo matiz a su cumbia con el “unplugged” realizado en julio, entre otros casos. Con esto no se puede poner un punto final porque resta mucho material por documentar e investigar acerca de este fenómeno musical.



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Temas recomendados:

ROSSY WAR: Que te perdone Dios
LOS MIRLOS: Poder Verde
EUFORIA: Ven a bailar
GRUPO MARAVILLA: Antahuara


Bibliografía:

• Raúl Romero. Andinos y tropicales: la cumbia peruana en la ciudad global. Instituto de Etnomusicología de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Lima, diciembre 2007.


• --- Música, danzas y máscaras en los andes. Proyecto de Preservación de la Música Tradicional Andina. Pontificia Universidad Católica del Perú; Instituto Riva-Agüero, Lima, 1998.


• Bolaños, César. La Música en el Antiguo Perú. En: La música en el Perú. Lima, Patronato Popular y Porvenir Pro Música Clásica, 1985.



Webgrafía:


• Bareto, en: http://es.wikipedia.org/wiki/Bareto (11/09/2009) y página oficial de Bareto: bareto.net (11/09/2009)


• Juaneco y su Combo, en: http://es.wikipedia.org/wiki/Juaneco_y_su_Combo (11/09/2009)


• “Cumbia peruana y música chicha” por Jorge Chávez Malaver, en: http://www.chichaweb.com/?c=118&a=1188 (11/09/2009)


• http://elgrupo5.com/ (11/09/2009)


• Los Shapis “unplugged”, en: http://www.cumbiadeperu.com/modules/news/article.php?storyid=131&title=Los%20Shapis%20tambi%E9n%20se%20desenchufan%20(Los%20Shapis%20-%20Unplugged) (17/09/2009)


• El Grupo 5 en el Centro de Convenciones María Angola: http://www.cumbiaperuana.com/portal/forum/forum_posts.asp?TID=179&PN=2 (11/09/2009)


• Los Caribeños en el evento de CumbiaVIP: http://www.cumbia.com.pe/?p=1016 (04/09/2009)


• Orígenes de la cumbia peruana, en: Texto que acompaña la portada del CD editado por Barbés Records, Brooklyn –New York: http://grandesdelacumbiaperuana.blogspot.com/2008/05/el-origen-de-la-chicha.html (10/09/2009)


• Autoría mexicana de La Culebrítica, del Grupo 5 http://www.rpp.com.pe/2009-04-16-grupo-5-se-quedo-sin-culebritica-noticia_176104.html (18/09/2009)


Agradecimientos a:
Oscar Torres y Edwin Ortiz

Conversamos con los el grupo de teatro Cantar del Cárabo, un colectivo peruano-canadiense que nació en el 2007 y se especializa en crear sus montajes bajo la técnica de un teatro de sombras. Y sacamos a la luz lo que nos dijeron:



La tribu de las sombras

Marie-Eve es una pedagoga teatral que algún día vino desde la invernal Canadá a la opaca Lima. “Yo soy actor y me hice a mi mismo” nos cuenta Capri y es quien, junto a Marie-Eve, encontró el teatro de sombras en la tierra de Charly García. Roger, artista plástico, llega al teatro de sombras en la búsqueda de “nuevas formas de expresarse”, formas y composición. Nadia es comunicadora y se convierte en su puente con la vida real. Son aves migrantes de las artes y la pedagogía, cómo el Cárabo, búho africano sin domicilio postal.



Teatro de las sombras

“Es una técnica de teatro, como otras, que no existía aquí. Nos topamos con él en Argentina y nos encantó. Supimos que era lo nuestro y no lo conocíamos… yo creo que (con esta técnica) puedes vencer la gravedad y también las dimensiones, puede ser a la vez grande y pequeño; o la humedad, puedes hundir a alguien sin mojar el escenario. También el espacio, recrear escenarios imaginarios que en el teatro clásico costaría muchísimo componer así como la profundidad, son varias dimensiones”. Es cine, teatro, títeres, mimo, dibujos animados.

La técnica surge en la china (sombras chinescas). “Se usaba el fuego, y servía para narrar epopeyas, leyendas”, reflejos que llevan al público a reconstruir las historias desde su imaginación, siendo un sujeto activo de sugerencias alucinadas. “Tiene muchas posibilidades expresivas, estamos recién impulsando esta técnica en el país; sería una locura dejarla” nos contesta, frenética, Marie-Eve.

Creando una noche artificial

“Montar la obra nos puede tomar una hora y media” entre colocar las lámparas, disponer los muñecos, efectos potentes como aserrín y talco, cortinas, vestuario, entre tantas cosas. “Durante la obra, debemos estar coordinados, es una coreografía” desnudando una sinergia donde hay que hacer precisos movimientos humanos para que criaturas fantásticas existan.

Se toman el tiempo eterno y esmero religioso que ponen los niños al ponerse a jugar; cuando desmontan los juguetes de una caja, los disponen en el suelo y le asigna un rol a cada uno: “nosotros nos sentimos también niños”.

Claro, desmontar no toma tanto tiempo porque como los niños “al final de tanta preparación, uno no juega tanto tiempo”. Se corre el telón y a la luz natural se convierten en duendecillos que embalan castillos, mares, lunas, cerros, combis, coliseos y toros en maletines porque “tenemos que limpiar todo el desorden que dejamos porque van a ocupar la sala”.

La imaginación no sólo es para niños

“Si, definitivamente tenemos la intención de educar, somos pedagogos” por eso se han atrevido a aparecer en la escena, ya no esconderse. Como el mago que revela el truco, sin dejar de ser fantástico cuando uno quiere creer, necesita creer. Básicamente, la vida fuera de la oscuridad los lleva a dictar talleres para todo aquel aprendiz de mago que se maraville con el tierno embuste del ecran.


“No nos importa que nos cataloguen como teatro para niños; pero viene todo tipo de público, también adultos”. Nos aclaran que la técnica no los gobierna, porque ya se sienten, desde 2 años de su fundación, con cierto control de este universo de expresión infinito como la noche, pero “igual seguimos preocupados porque todo funcione como lo esperamos. No podemos ver cómo están reaccionando, escuchamos si las risas o asombro. Pero lo que a veces quisiéramos es estar al frente y poder ver lo que estamos haciendo; pero no se puede” dicen, con pena, mientras la noche los absorbe al apagar las linternas.

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Si quieres saber más del Teatro de Sombras, puedes ubicarlos a la luz del sol en:

Email: elcantardelcarabo@gmail.com
Web: www.elcantardelcarabo.blogspot.com
Teléfono: 9-9723-0648

Siempre me pregunto hasta que punto se puede utilizar la cuidad de Lima como escenario artístico, un lugar que concentra todo tipo de formas, costumbres y que evoluciona multicultural, colorida y desordenadamente.

Un escenario que presenta miles de de situaciones, que nos crean todo tipo de sensaciones sean buenas o desagradables y que después se pierden en nuestro pensamiento e inconsciente como algo más que pasa en el día a día.



El artista es el reportero visual de todos los tiempos, con su talento y práctica nos proporciona una visión de nuestro entorno que de otra forma no podríamos comprender.



“La fotografía es mágica…”



“Nosotros observamos, capturamos y componemos momentos cotidianos…es una especie de espejo, tu estas viendo y a la vez la gente ve tu interior”me dice Bruno Guerra o Tunchi integrante de la página junto a josé Carlos Díaz ( Lokumba),José Valdivia (Oe) y Pool …(Fockus).



Pool me muestra diversos trabajos que llaman mi atención, entre ellas 4 imágenes que forman la obra “El Fotógrafo”, dónde se ve a una persona minusválida fotografiando a una familia en la Muralla de Lima; dando la espalda al majestuoso cerro San Cristóbal.



La fotografía amateur que crece a lo profesional es subjetiva, da libertad de interpretación tanto a la persona que la capta como a la que observa.

Es un mirada personal del artista, pero que brinda la oportunidad de ser entendida de muchas formas y perspectivas que van de de lo frívolo a lo conceptual, artístico y social.



Bruno me comenta “El humor es un elemento que nos gusta explotar. Nos acerca a lo positivo o negativo de la cuidad y es más fácil de entender cuando juegas con el humor popular”, Pool continúa “un ejemplo de ello fue el trabajo que realizamos “Asia –Eisha” una muestra de imágenes críticas a diversos lugares de la playa Asia pueblo, hasta las “ilógicas” zonas exclusivas”



Reviso su primera publicación y se me viene a la mente las últimas tendencias de utilizar lo popular “Chicha” en al arte, la identificación social y los medios que se han abierto a ello.

“Lo especial de Lima es que es una cuidad viva, que no sigue una línea, que está llena de gente a toda hora, ambulantes y vehículos”cuenta Bruno “Lo Chicha ahora está en todos lados, desde los conos hasta San Isidro y esto lo hace muy rico para el fotógrafo o cualquier artista, tiene muchas historias que contar”agrega Pool.



“Hay personas que viven en Lima y no la conocen…”



Su aporte está en acercarnos a diferentes realidades que concurren en un mismo lugar; ver e interactuar incluso en barrios que muy pocos se atreverían a registrar.

Una fotografía espontánea inicial es trasformada en una composición visual. Un laboratorio sin parámetros donde, aplicando sonidos y movimientos llevan del registro documental a lo estético experimental.



Los problemas se dan cuando el fotógrafo decide involucrarse en las situaciones, por lo que tratan de no intervenirlas. Cada imprime a la galería de fotos su carácter sea trasgresor, minimalista, popular o irónico.



Buscando nuevos Espacios



Se tiene el prejuicio del arte como algo indicado para una elite profesional y entendida; sin embargo la evolución del sistema cultural exige una nueva “democratización del arte”. Crear conciencia de la cultura artística en la nación de todo lo que nos rodea.

Desarrollar una demanda entre el público, sobre todo el jóven, es crear una identidad al país; patrimonio en todas las expresiones artísticas y que deben ser asumidas por todas las instituciones culturales incluyendo al cerrado INC.



Este último factor hace que los chicos de Limafotolibre busquen nuevos espacios masivos para difundir su arte, tecnológicos como la web , internet, blogs; o intervenciones en las calles de la cuidad, los microbuses, parques, restaurantesy bares; con afiches, autoadhesivos o esténciles.



Me despido de los chicos y concluyo que sus obras criticadas, aceptadas o rechazadas, son ejemplos de constancia, creatividad, habilidad, técnica y sobre todo apertura al alma de nuestra Lima de todas las sangres.



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Pandilleros será filmada en escenarios naturales de la Asociación Limeña de Cantagallo





La película será filmada en 35 mm. y estará dirigida por Walter Canchanya, quien ha transitado por los caminos del cortometraje y posee una larga trayectoria conduciendo talleres de cine para niños y jóvenes. El guión de esta película realizada por José Ibáñez y la colaboración del propio director, trata sobre una realidad común de muchos países del mundo: el pandillaje urbano. Al estilo de la connotada película brasileña Ciudad de Dios (Fernando Meirelles y Kátia Lund, 2002) pero con características locales, Pandilleros mostrará el bajo mundo en el que se mueven las pandillas, como el de los “cirujanos” o los “satánicos” cuyos nombres retratan un camino de violencia exacerbada. La historia del film se centra en los momentos de la vida del líder pandillero Elías, especie de justiciero que no tolera en sus dominios más violencia que la que sus seguidores pueden cometer. Elías vivió una niñez trágica en los campos de la sierra peruana que fueron vestidos de rojo en tiempos del terrorismo. Esos niños como Elías han crecido y ahora están en la ciudad… El productor de la película, José Cevallos, añade que el tema de las pandillas en Lima es muy latente y lo que se busca con esta película es dar a conocer el problema para llamar la atención de las autoridades.


En cuanto al casting de Pandilleros, este fue convocado desde Cantagallo, y en él se ha seleccionado a muchos niños y jóvenes con aptitudes para la actuación que viven en el lugar. Ellos están siendo preparados en talleres de actuación, defensa personal e inglés, además de recibir orientación psicológica y nutricional de manera gratuita. La preparación es exigente porque se trata de que los actores y la película alcancen un nivel óptimo que les permita participar en cualquier festival o trabajar nuevos proyectos. “La preproducción de esta película está rompiendo esquemas porque esto no se hace en ninguna otra parte”, manifiesta Cevallos. Al respecto, opina Walter: “cuando se hace un casting hay que ser muy minucioso en elegir a tus actores y trabajar de una manera especial en su preparación para poder encontrar en ellos a tus personajes.”



Safe Producciones no sólo está motivada en la realización de una película, sino en un compromiso social de llevar educación y cultura a través del cine. El proyecto está dando muy buenos resultados, los pobladores de Cantagallo se están comprometiendo con el tema, han cedido el espacio libre de su única escuela para los talleres y sus casas serán prestadas para las locaciones durante las filmaciones. En el caso de los menores que participan en los talleres, han cambiado sus tardes domingueras de fulbito o sus largas jornadas frente al televisor por clases de expresión corporal o juegos que promueven la confianza entre compañeros. Además Walter nos revela lo siguiente: “se ha seleccionado a quince participantes actores para que trabajen como asistentes de producción. No quiero que ellos aprendan sólo a jalar los cables o a asistir al jefe de producción, sino que además sean analíticos del arte cinematográfico, que tengan buen gusto por el cine y por lo que hacen. En esta corta preparación les estoy enseñando análisis del cine, introducción del lenguaje cinematográfico y como escribir un guión.”



Cantagallo es una asociación de pobladores nativos de origen Shipibo. Caminaron cientos de kilómetros desde el oriente peruano hasta la capital para protestar en contra de la dictadura del ex presidente Alberto Fujimori, en la denominada Marcha de los Cuatro Suyos del año dos mil. Cuando muchos de ellos decidieron quedarse en la ciudad, la falta de espacio los obligó a ubicarse en una zona suburbana, antaño refugio de grupos terroristas y foco de juveniles pandillas. Hoy en día Cantagallo, a pesar de sus carencias, ha logrado derrotar la violencia y se ha convertido en un sector progresista, cuyos habitantes se dedican al comercio y la artesanía.

Safe Producciones aspira con esta película dar a conocer Cantagallo al mundo y mostrar una realidad nuestra. Será la oportunidad de ubicar en el mapa a este rincón apartado de Lima y exhibir su paisaje urbano de pasajes estrechos y ropas secadas al viento. El film será traducido al dialecto shipibo (los padres y abuelos de Cantagallo lo trajeron desde la selva) para preservarlo y promoverlo sobre todo en los más pequeños, quienes recientemente reciben en la escuela clases bilingües junto al castellano. La productora espera además que la película sirva para promover el turismo extranjero y generar más ventas en las artesanías y productos que se producen y así conseguir un mayor desarrollo en el lugar.

Los fines de semana en Cantagallo ahora son diferentes, los gritos encolerizados, gestos amenazantes, miradas de odio o los golpes de furia incontrolables, simulados en escenas de ficción de las prácticas de actuación, atraen la mirada de vecinos y padres de familia, quienes se aglomeran en la escuela para ver cómo niños y jóvenes en medio de la acera polvorienta aprenden a ser actores al lado del río.

NOVALIMA - Integrantes

Fue un día de ensayo sin mucho tiempo porque se les acercaba la gira en Europa. Novalima está promocionando su reciente disco COBACOBA lanzado en diciembre por el sello de Putumayo: Cumbancha, una disquera que compila y difunde música del mundo con estilo propio.

ARTECORPUS: ¿Cómo inició Novalima?

NOVALIMA: De cuatro personas, el primer disco fue full producción. Novalima no era un grupo que se reúne y empieza a tocar y compone canciones. Empezamos como un colectivo, varios músicos que colaboran y es más trabajo de estudio. Hubieron varios percusionistas que colaboraron en AFRO, porque AFRO fue un proyecto, que no son los percusionistas de ahora. Los invitamos porque queríamos tener más color pero ya a la mitad de afro nos quedamos con los mismos músicos que participan como Novalima: Juan Medrano Cotito, Mangüe Vasquez, Constantino Alvarez, Marcos Mosquera y Milagros Guerrero, nos enamoramos de ellos. COBA COBA tiene colaboraciones de personas no del entorno nuestro sino de afuera. Una vez que tuvimos el disco afro decidimos armar un show en vivo, invitamos a los músicos que colaboraron y armamos la banda y ahí nos convertimos en nueve personas. Nuestro sexto concierto fue en España. Este disco también refleja eso, más compacto, más de grupo.

A.C: Si analizamos el primer disco NOVALIMA, éste refleja temas inéditos, pasando por AFRO que es totalmente criollo y al final en COBACOBA recogen géneros como el hip hop y boleros. ¿Cómo fue el desarrollo musical de Novalima?

NL: Desde el segundo disco: AFRO ya es bastante afroperuano. El primer disco fue diferente porque fue con el primero que nace Novalima y hay una fusión de todos los estilos del mundo porque cada uno tenía sus propios proyectos personales. En el segundo ya es totalmente afroperuano, estábamos probando estilos y le agarramos el punto y es en el tercero que concluimos. Realizamos una investigación musical desde el segundo disco y se volvió ya un sonido más propio del grupo cuando los demás integrantes se vinieron a vivir a Lima. En AFRO también hay marinera pero en COBACOBA hemos profundizado otros estilos como el reggae, hip hop, salsa, es un disco más consecuente.

NOVALIMA - En Ensayo

A.C: ¿Están pensando en hacer fusión con cumbia?

NL: Estamos haciendo una remezcla con Cumbia, una combinación con el disco de Bareto. Recién ahora hemos terminado de grabar un disco de remezcla del COBA COBA con participación de artistas internacionales. Son como catorce temas que van a estar saliendo después de la gira que tenemos en Europa. Son artistas de talla que han colaborado con nosotros y también va a salir con el sello “Cumbancha”. Este proyecto viene por parte de ellos.

NOVALIMA - Milagro Guerrero

A.C: ¿Y con la música andina o selvática? ¿Piensan incluir fusiones con esos géneros?

NL: No nos encuadramos. Investigamos bastante cada género y buscamos música nueva y aquello que caiga en nuestros oídos si nos gusta, lo hacemos. No planeamos hacer un disco afro peruano sino lo que nos fue gustando lo juntamos y luego hacemos un disco de lo que hay.

A.C: ¿Conocen agrupaciones jóvenes o amateurs que estén produciendo algo similar a lo que ustedes hacen? Que se hayan influido por su música.

NL: De hecho Novalima ha influenciado a gente nueva. He escuchado proyectos nuevos que han fusionado rap con afro peruano, hace poco me enviaron un mp3 de un rapero que hizo fusión con música afro peruana. En los últimos cinco años han salido nuevas propuestas, no exactamente al estilo Novalima pero sí hay fusiones de música afro peruana con otros estilos. Vemos que está evolucionando con proyectos como el de Susana Baca o Novalima y van generando nuevas ideas.

A.C: ¿Hay algún género que Novalima jamás fusionaría?

NL: Lo que observas de Novalima es el fruto de todo aquello que hemos alrededor de estos veinte años. Hace 15 años dos de nosotros estuvimos tocando heavy metal, thrash, hard rock. Creo que en todos los estilos hay buena música. Lo que escuchamos es lo bueno que hay en cada estilo. Hasta hace poco se podría haber dicho que jamás fusionaríamos con el reggaeton y ahora no es así, el COBACOBA tiene ritmos reggaettoneados. No nos encerramos en un estilo de música. No mezclamos gustos con categorías de bueno o malo.

A.C: Novalima se caracteriza por la percusión dentro del estilo afro peruano. ¿Han pensado lanzarse a otros estilos?

NL: No haríamos un estilo diferente, incorporaríamos dentro de las fusiones pero siempre el mismo concepto de fusionar lo antiguo como lo moderno. Si cambiáramos radicalmente el estilo del grupo ya cambiaríamos de nombre y sería un nuevo proyecto.

A.C: ¿Cómo creció Novalima? Sea en responsabilidad, popularidad, actualizaciones, etc. ¿Cómo sienten que han madurado?

NL: Ha crecido mucho. Todos los años nos reorganizamos para terminar de hacer todas las cosas que tenemos. Con la agenda que hemos tenido gracias a la disquera “Cumbancha” estamos en 60 países, no hay nada más gratificante que compartir lo que uno hace. Tratamos de hacer lo mejor posible. Tenemos más responsabilidades, menos tiempo, más países, más entrevistas. Cada año tenemos que reorganizar el equipo y crecer a la par. El mismo show en vivo que antes éramos ocho músicos y ahora somos cerca de quince, incluyendo el luminotécnico, DJ’s, chofer, etc.

A.C: ¿A qué creen que se debe la popularidad de Novalima?

NL: En Perú, cualquier peruano que te escucha te mueve el corazón familiar. La música afroperuana es movida. Tenemos una puerta directa al público peruano. A nivel internacional, este mismo ritmo que nadie ha escuchado antes, los mueve. En Londres no sabían lo que eran, se movían y bailaban de una manera graciosa pero los vacilaba. Es lo rico de este ritmo, el afroperuano te mueve. Además que internacionalmente no es muy conocido como la bossa nova o samba de brasil, o el son cubano. Conocen algo que hace Susana Baca pero nada más. Si muestras algo nuevo hay posibilidad de llegar más lejos.

A.C: ¿Están produciendo otro disco?

NL: No. Por ahora estamos haciendo remezclas, además nos está llevando tiempo promocionar nuestro disco COBACOBA. En Europa ha salido recién en enero - febrero y es ahí donde estamos viajando.

A.C: Cuando graban, mezclan y masterizan ¿lo hacen en estudio propio o lo envían a un estudio grande?

NL: Hacemos una pre mezcla: tocar algunos instrumentos, edición, etc. La hacemos nosotros y de ahí Toni Conomí en Londres, nuestro quinto Novalima, como productor lo envía al estudio en Londres, lo probamos, y luego lo mandamos a masterizar por lo general al estudio de Nueva York. Para la mezcla vamos a Londres los cuatro y luego enviamos ya el master a Nueva York, son los mejores viajes que tenemos.

A.C: ¿Están produciendo otro disco?

NL: No. Por ahora estamos haciendo remezclas, además nos está llevando tiempo promocionar nuestro disco COBACOBA. En Europa ha salido recién en enero - febrero y es ahí donde estamos viajando.

A.C: ¿Qué se viene?

NL: Después de la gira en Europa que acaba en Barcelona tenemos el festival de verano en EEUU. ¿Gira nacional? No se nos ha presentado la oportunidad. Localmente no nos conocen. Nos falta marketing. Novalima no es un género comercial. Tuvimos una experiencia interesante en la Plaza Mayor porque estuvimos ante mucha gente de acá moviéndose con nuestro ritmo. El mercado aquí es un poco difícil además porque Novalima comenzó con todos, salvo ramón que vivía en Perú, vivendo fuera y lo movimos con nuestros contactos y la primera disquera que firmamos fue en Londres. Después que regresamos recién se formó la banda y es ahí que comenzamos a marketearnos acá. No hicimos promoción alguna. Nuestro trabajo se pasa de boca en boca y vemos que el disco se comercializa igual acá. Generalmente nuestro disco se comercializa en el exterior pero en estos últimos años el COBACOBA se ha vendido igual en Perú. En radio peruana no suena Novalima. Internacionalmente el COBACOBA se encuentra número uno en la categoría Billboard Music, Radio Alternative en EEUU, entre otros.

A.C: ¿Y no han intentado sonar en alguna radio nacional?

NL: Sí, lo intentamos, pero nos han querido cobrar dos mil dólares. Hay radios que para que la pongan varias veces al día, te cobran. Muy pocas radios lo han colocado por iniciativa propia. Vemos que es difícil poner Novalima en las radios peruanas, por eso mejor lo promocionamos en el extranjero.

A.C: Sería extraño que un turista venga y pregunte por ustedes y la gente no sepa qué responder.

NL: Sucedió. En la televisión en un programa de cable invitaron a Jorge Drexler y se tocó el tema de la música peruana, Drexler dijo que tienen un grupo que fusiona la música afroperuana que en el mundo lo conocen pero no recordaba el nombre y las presentadoras dieron mil nombres: Micky Gonzales, Jaime Cuadra, Susana Baca, pero no dijeron Novalima. Y él sí sabía.

El grupo Novalima comienza con el trabajo de cuatro músicos que se conocían desde tiempo atrás, en Lima, pero radicaban en distintos lugares del mundo, Grimaldo del Solar desde Barcelona, Carlos Li Carrillo en Hong Kong, Rafael Morales (Londres) y Ramón Perez en Lima. Actualmente los músicos que forman parte de la agrupación son:

Juan Medrano Cotito (cajón y voz), Mangüe Vásquez (congó y cajón), Marcos Mosquera (bongo y cajón), Milagros Guerrero (voz principal) y Constantino Álvarez (timbales). En la base se encuentran: Rafael en la guitarra, Carlos toca el bajo, Ramón en el teclado y Grimaldo hace la secuencia.
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NOVALIMA.
Contactos: info@novalima.net
URL: www.novalima.net

Video clip “Machete” en Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=zEfl-KNa4Nc&feature=channel_page

Edición Nº 13, Año 4, Mayo - Junio 2009

PortaVoz Perú es una asociación de comunicadores sociales que viene dictando talleres gratuitos de cortometraje dirigidos a jóvenes y adolescentes de la periferia de Lima. Esta labor de responsabilidad social ha beneficiado a muchachos de San Martín de Porres, Villa El Salvador, Comas, El Agustino, San Luis, Santa Anita y algunas provincias del país. Tienen proyectado llegar a Ventanilla, Puente Piedra y Carmen de la Legua.

PortaVoz se formó con un grupo de amigos de la universidad de San Marcos y San Martín de Porres, quienes se conocieron en el año 2000 en la “marcha de los cuatro suyos”, suceso de protesta masiva en contra del régimen autoritario de Alberto Fujimori. Se iniciaron en prensa, cubriendo los acontecimientos sociales de la época, pero cuando ingresó al gobierno Alejandro Toledo, la fiebre política cesó. Walter Canchanya se integra al grupo y propone la creación de talleres de cortometraje. A partir de entonces han producido en promedio veinte cortometrajes.
El taller de Cortometrajes

En los talleres, los chicos conocen a los inventores del cine en la pantalla de un televisor. Aprenden de manera práctica el lenguaje cinematográfico, construir una historia, elaborar un guión y finalmente producir una película. En la tercera sesión, los alumnos de Santa Anita ya saben usar la cámara y han grabado su primer ejercicio de cortometraje. Reunidos en círculo analizan y comentan las películas que Walter les ha proyectado, como El Profesional (Luc Besson, 1994) o El Bola (Achero Mañas, 2000) y de ellos destacan las actuaciones, describen el movimiento de la cámara o explican el argumento.

Lucy Saldaña (14), Henry Campos (22) y Raúl Cartajena (25) son vecinos de Santa Anita, participan en el taller porque quieren comprender cómo se hace una película. Coinciden en que el cortometraje permite desarrollar la creatividad de los jóvenes, reflejar la sociedad y crear identidad. Raúl, menciona como ejemplo un cortometraje de la historia de Santa Anita

Preparando un corto

La idea es que el taller termine con la realización de un cortometraje y que la experiencia les sirva para realizar sus propios proyectos. PortaVoz cuenta con equipos propios, entre cámaras, trípodes y tachos de luces. Walter se encarga de apoyarlos en la edición y la música, mientras que el guión es elaborado por los chicos. El proceso creativo comienza con la indagación y descubrimiento del mundo de los jóvenes, con preguntas como: ¿De dónde son tus padres? ¿Por qué crees que han venido a vivir acá? “Entonces ellos empiezan a entrar en su realidad, a analizar las cosas, y a partir de allí salen trabajos bien interesantes”, comenta Walter.

Uno de los primeros talleres de PortaVoz fue dictado en el colegio Paraíso Florido del Asentamiento Humano del mismo nombre, en San Martín de Porres. A pesar de las carencias materiales del lugar, con paredes de estera y ubicado en medio de una pampa, y de la intranquilidad inicial de los alumnos; los escolares lograron un buen desempeño, al crear una historia de reflexión: el peligro que suscitan para los menores el uso irresponsable de explosivos regados en la ciudad. La experiencia fue motivo de entrevistas y reportajes en diarios y televisión.

Los chicos de Santa Anita
trabajan en conjunto en todo el proceso de realización de su cortometraje.

Rambo en el Cono Sur

Cuando PortaVoz fue a dictar un taller en un colegio militar de Villa María del Triunfo, las chicas querían hacer un cortometraje tipo novela, mientras que los chicos plantearon una historia como la popular película de acción Rambo, incluso uno de ellos propuso: “yo puedo conseguir una ametralladora porque mi papá es policía, y nos subimos al cerro de Villa María”. Al respecto Walter opina: “eso les dan los medios de comunicación, entonces te dices, cómo revertir esa forma de pensar”.

Fotos: PortaVoz Perú
Agradecimiento: Walter Canchanya - PortaVoz Perú

PortaVoz Perú
http://portavozperu.blogspot.com/

• Mi Barrio y Mi Cine I Festival de cine alternativo / PortaVoz Perú, 2009
http://www.youtube.com/watch?v=WMEIikmdhLc

• Proyecto “Medios en la Escuela” / Concurso de cortometrajes Hacelo corto
http://www.buenosaires.gov.ar/areas/educacion/programas/corto/

Portavoz Films:
• Lejos del paraíso (2009), por Walter Canchanya / Produción: Johnny Mendoza / Trailer
http://www.youtube.com/watch?v=x3Tjk4jjkxw

• El Bebé Toro (2006), por Giuliana Gamero
http://www.youtube.com/watch?v=u1wxx8kTTuE

• Que vida fue la mía (2005), por Walter Canchanya / Producción: PortaVoz Perú / Trailer
http://www.youtube.com/watch?v=OJA8HQDBsMQ

Convocatoria / Casting:
http://www.safeproducciones.com/

Edición Nº 13, Año 4, Mayo - Junio 2009

COMAS O NO, HAY TEATRO
VII Festival Internacional de Teatro en Calles Abiertas – FITECA

Había una vez, en un cerro muy lejano, niños abandonados y maltratados que crecían en la calle. Hasta que un día, armados de zancos y máscaras viejas, estos niños bajaron de la cima del cerro tocando trompetas hechas de botella de plástico a crear, con el grupo el teatro de la zona, una nueva historia. Así nació el FITECA

*Por: Eibby Rosillo.

En pleno ensayo. El grupo de la Gran Marcha de los Muñecones para el FITECA 2009.

El FITECA se viene realizando desde el 2002 en uno de los cerros de Comas: La Balanza. Cada año, en mayo, este lugar decora su escenario para recibir los trabajos de artistas internacionales como son de Argentina, Brasil, Bolivia, Canadá, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, Italia, México y por supuesto, grupos nacionales.

Desde el 2002, este festival internacional ha generado mayor expectativa. Lo que se inició como una experiencia barrial ha trascendido a nivel nacional. Vienen de todos lados para gestar esta actividad. Siempre se realiza la primera semana de mayo y este año se han invitado a cerca de 40 grupos nacionales e internacionales. Hay teatro para todos los estilos, para niños, adultos, público experimentado, aficionados, etc. Paralelamente también se crean talleres con actores nacionales e internacionales, comparten experiencias y sobre todo, sirve de encuentro cultural entre la comunidad y los actores.

Sueño de una noche sin verano

La historia de los niños descendiendo histriónicamente por los cerros podría sonar a ciencia ficción, pero no es cuento. Jorge Rodríguez, uno de los organizadores y creadores del FITECA, nos mencionó cómo se originó la idea de armar y producir un festival de gran magnitud sin financiamiento de alguna institución. Él es director del grupo teatral de La Gran Marcha de los Muñecones y se encontraban ensayando en su espacio cuando vieron venir en pasacalle a unos niños con instrumentos que ellos habían desechado. Al trabajar con estos niños, la visión que tenían de su ambiente cambió.

Más tarde, en el 2002, organizaron junto a otras tres personas: Janet Gutarra, Marco Esqueche y Luis Sandoval el primer FITECA, teniendo el apoyo de la comunidad y muy poca de la Municipalidad de Comas.

La agonia de Rasuñiti por el grupo de Teatro Waitay

La Odisea 2009

En este VIII festival, tuvo más presencia que en ediciones anteriores el teatro nacional, entre los que figuraron: Yuyachkani, La Gran Marcha De Los Muñecones, Voces Entre Tablas (desde Arequipa), Bola Roja, Estirpe Teatro Ayacucho, Lunasol, Arenas y Esteras de Villa el Salvador, Willy Hernández, El Medio De La Nada, entre otros. Los invitados extranjeros fueron de Colombia, Costa Rica, Bélgica, Argentina, Ecuador y Bolivia.

Fue una edición más trabajada, tuvieron mejor sonido y se notó la presencia municipal sin embargo el espacio quedó muy corto ante la afluencia de espectadores que en años pasados.


La vida no es sueño (en Comas)

Este barrio antes era muy peligroso, las pandillas se peleaban diario, después que el FITECA se produjo, las peleas bajaron a una semana, luego a un mes y hasta ahora que ya no se ven. De esos chicos que eran los más bravos, ahora tienen sus esposas, trabajan, participan en la sociedad. La calle en un inicio era tierra de nadie, el pandillaje y toda la violencia pasó a ser un espacio de teatro, de ensayo, los niños se ponen los zancos y se van a comprar pan en zancos, ahora es un lugar participativo. Ellos le han cambiado de nombre a la calle y le han puesto lo el nombre que han elegido.

El Gran Teatro del Cerro

Además, se está logrando la construcción de una alameda de la cultura en todo el trayecto que lleva hasta el FITECA. Esto se ha organizado de tal manera que los estudiantes del cuarto año de Arquitectura de la Universidad Católica (PUCP) han elaborado un proyecto urbanístico y la municipalidad aporta con el financiamiento. La comunidad junto con los estudiantes planificaron lo que quieren hacer, con propuestas horizontales de ambos lados, todo fue participativo. El paso siguiente a este proyecto es organizar junto con los vecinos las actividades artísticas mensuales.

Cómo llegar.

Para aquellos que vienen desde el centro de Lima, se debe tomar la av. Túpac Amaru, pasar el hospital de la solidaridad de Comas hasta llegar al paradero del Banco de Crédito a una cuadra de la av. España, también en Comas. Se reconoce el paradero porque los murales están pintados artísticamente por el festival. Los que llegan con transporte público, deben cruzar la pista auxiliar y tomar los colectivos que van hacia el FITECA. El pasaje en una de estas “lanchas” es de 0.80 céntimos de nuevo sol.

Organiza el Encuentro de Museos de las Américas en la Mitad del Mundo que, con el tema: "Gestión y Marketing: Herramientas indispensables en los museos del siglo XXI", se realizará entre el 17 al 20 de junio del 2008. Todo el programa Académico se realizará en el auditorio mayor del Centro Cultural PUCE.

El congreso contará con la presencia de algunos expertos extranjeros como Neil Kotler, Presidente de Marketing para Museos y Turismo. Consultores, USA; Gary Edson, Director Ejecutivo del Programa de Museos de Ciencias de la Universidad de Texas, U.S.A.; Marina Chinchilla, Coordinadora General del Museo del Prado, España; María Victoria Sánchez Gómez, Subdirectora General de Museos Estatales, España; Quirino Olivera, Director Ejecutivo de la Asociación Amigos del Museo del Señor de Sipan, Perú; Luisa de Peña Díaz, Directora General de Museos, República Dominicana; Mónica Bahamondez, Centro Nacional de Conservación y Restauración del Museo de Isla de Pascua, Chile; Lyliam Alburquerque, Universidad de Buenos Aires, Argentina, entre otros.El Encuentro de Museos de las Américas, está dirigido a todos los países del continente americano y a funcionarios de museos y centros culturales (directores, administradores, asesores de marketing, gestores y promotores culturales, profesionales de museos, amigos de los museos, presidentes y miembros de fundaciones, museólogos, museógrafos, conservadores-restauradores, consultores, profesores, curadores, investigadores y estudiantes).

Las actividades académicas a desarrollarse, permitirán a los asistentes participar de conferencias magistrales y ponencias sobre la Gestión de fondos para Museos; Marketing de Museos: Propuestas de aplicación; y la Presentación de los Museos de las Américas, que darán a conocer la aplicación efectiva de sus estrategias para la consecución de fondos.Organizan y dirigirán el desarrollo del Encuentro de Museos de las Américas Gaby Costa Ullauri, Coordinadora del Centro Cultural de esta Universidad, (cc@puce.edu.ec o gmcosta@puce.edu.ec ) y Juan Carlos Fernández-Catalán, Presidente de la Corporación Académica de Restauradores y Museógrafos del Ecuador (CARME / carmecuador@yahoo.com)

Para mayor información: www.encuentromuseosquito.com

Stainer manchada

Utia es un artista multidisciplinario que comparte la plástica, la gestión cultural y la dirección de la página web Círcuito de arte.

En el mes de mayo llamó la atención su exposición Retratos de la Vida Urbana, en la galería municipal Pancho Fierro con motivo del ALCUE, en donde retrataba el tema urbano desde sus personajes más resaltantes.

"El tema urbano se ha convertido en una parte integral del desarrollo creativo de muchos artistas. También procura desafiar la sabiduría convencional mostrando las dimensiones menos conocidas de la plasticidad con recursos digitales hasta obtener el encanto de lo visual en cada retrato”. Declara el artista.

Este simbolismo cuestiona los personajes que se representan como modelos o figuras de nuestro quehacer cotidiano y que marcan una época llena de cambios y paradojas. El artista desde siempre ha sido un cronista que va librándose de fantasmas que ingresan en el imaginario colectivo mimetizándose hasta convertirse en parte de nuestra personalidad.

Personajes que admiramos u odiamos, que imitamos o rechazamos, de los que siempre estamos atentos a sus historias y que queramos o no reflejan nuestra manera de pensar, nuestros valores y nuestra estética actual.

Así vemos reflejada la admiración por la cultura “chicha”, personajes emergentes de los conos, la nueva música andina como Dina Páucar o el deporte, entre otras figuras. "Busca compartir el retrato vivo de lo cotidiano de la experiencia del exponente con su entorno personal, local, e introspectivo”, afirmó la directora de la Galería Municipal.

Pat priest

Para muchos el arte es una dimensión sagrada de la realidad, por ello este escenario metafórico resulta propicio para que un artista como Hugo Alegre exponga y confronte los personajes de ese universo de dioses personales. Donde el sincretismo, la yuxtaposición y la resistencia se determinan e influyen recíprocamente, en una dialéctica que se genera en ese difícil y algunas veces incomprensible diálogo de dos culturas radicalmente distintas. Han transcurrido ya más de 500 años de este diálogo, pero en su haber podemos encontrar la presencia de este artista cuya reflexión plástica nos ubica permanentemente en el ojo de la tormenta.

Angel

“Hugo Alegre recupera el lenguaje figurativo en el que el antropomorfismo revelan los distintos procesos biológicos de la existencia humana, la gama racial de sus componentes y la supremacía de seres fantásticos en los que combina el zoomorfismo de las culturas ancestrales y vernáculas tanto de las fuentes clásicas occidentales como las incaicas. Su indicio más significativo de a contemporaneidad es la cromaticidad en la utilización de las gamas psicodélicas y la sencillez figurativa, tomando como referente el arte popular”.

Astrid Bahamond

Crítica de Arte – San Salvador E.S. 2002

libro nhugo

“Quienes conocen mi obra pueden advertir que no pinto por pintar, ni por rutina. Mi trabajo responde a una valoración del hombre andino, como presencia mestiza en la diversidad cultural peruana.En mis inicios opté por la pintura de carácter costumbrista, porque tenía la necesidad de expresar mis recuerdos, la nostalgia de lo vivido. Además la cotidianidad en el campo llevada al terreno de la plástica, fue esencial para desarrollar un lenguaje propio de color y composición. Una realidad de constantes cambios, producto de la fusión de nuestras culturas y de la cual yo también soy parte. Pero en este contexto de transfiguraciones, intuí una forma de resistencia que se expresaba en el constructo mágico religioso.. Los personajes protagónicos de esta lucha eran los brujos, chamanes y curanderos. Son ellos quienes encarnan el sincretismo conceptual que da sustento a millones de latinoamericanos.Es esta interpretación la que hace cambiar las formas de mi pintura, de la figuración a la abstracción, pasando de la nueva figuración al simbolismo, del surrealismo a la figuración para luego retornar al pop art, estilo que lo disfruté tempranamente cuando era estudiante en el colegio secundario”.

HUGO ALEGRE

Estandarte I

Adan y Eva y La Fuente del Deseo

Guardianes de la Huaca

Edición Nº 11, Año 3, Junio - Julio 2008